O sétimo volume da série Blues Masters, lançado pela Rhino Records em 1993, é dedicado ao chamado Blues Revival, movimento de redescoberta e valorização do blues que ganhou força durante a década de 1960. Com 17 faixas e aproximadamente 73 minutos, a coletânea reúne artistas tradicionais que voltaram a receber atenção do público, músicos que ajudaram a renovar o gênero e intérpretes que aproximaram o blues de uma nova geração de ouvintes, especialmente nos Estados Unidos e na Europa. Diferentemente dos volumes anteriores, organizados principalmente por região ou característica instrumental, este álbum apresenta uma perspectiva histórica: mostra como o blues recuperou visibilidade cultural em um período de grandes transformações na música popular. A seleção aproxima o blues acústico de artistas como Mississippi John Hurt, Son House e Mississippi Fred McDowell do blues elétrico de Muddy Waters, John Lee Hooker, Albert King e B.B. King, além de incluir representantes do revival britânico e do blues-rock, como John Mayall e Canned Heat. As gravações desta coletânea foram realizadas entre 1959 e 1969, ao longo de aproximadamente dez anos. Embora o movimento de revival tenha raízes anteriores, a seleção concentra-se nas gravações que documentam sua consolidação durante os anos 1960. Lançado em 1993 pela Rhino Records, Blues Masters — The Essential Blues Collection, Volume 7: Blues Revival é uma coletânea dedicada a um dos períodos mais importantes da história moderna do blues: o movimento de redescoberta e valorização do gênero durante a década de 1960. Com 17 faixas e aproximadamente 73 minutos de duração, o álbum reúne artistas tradicionais que voltaram a receber atenção do público, músicos que contribuíram para renovar a linguagem do blues e intérpretes que aproximaram essa tradição de uma nova geração de ouvintes, especialmente nos Estados Unidos e na Europa. A proposta da coletânea é particularmente interessante porque apresenta diferentes caminhos de preservação e renovação do blues. De um lado, estão músicos ligados às raízes acústicas e rurais, como Mississippi John Hurt, Son House e Mississippi Fred McDowell, que voltaram a ocupar os palcos de festivais e universidades depois de períodos de relativo afastamento da indústria fonográfica. De outro, aparecem representantes do blues elétrico urbano, como Muddy Waters, John Lee Hooker, Junior Wells, Otis Spann, Albert King e B.B. King. A seleção também incorpora músicos brancos que tiveram papel importante na divulgação do gênero entre novos públicos, como Paul Butterfield, John Mayall e Canned Heat. O chamado Blues Revival não foi simplesmente o retorno de uma música antiga. Tratou-se de um movimento cultural que promoveu a redescoberta de artistas, repertórios e tradições que haviam desempenhado papel fundamental na formação da música popular norte-americana. Durante os anos 1960, festivais de folk, apresentações universitárias, documentários, pesquisas musicais e novas gravações contribuíram para aproximar o blues de públicos que até então conheciam o gênero principalmente por meio de versões de artistas de rock e rhythm and blues. A coletânea apresenta gravações realizadas entre 1959 e 1969, abrangendo aproximadamente dez anos de transformações musicais. Embora o movimento de revival tenha raízes anteriores, esse período foi decisivo para a consolidação de uma nova consciência sobre a importância histórica do blues. O álbum foi lançado em 1993, mas suas gravações documentam uma década em que o gênero recuperou visibilidade e passou a ser reconhecido como uma das principais matrizes da música contemporânea. período foi decisivo para a consolidação de uma nova consciência sobre a importância histórica do blues. O álbum foi lançado em 1993, mas suas gravações documentam uma década em que o gênero recuperou visibilidade e passou a ser reconhecido como uma das principais matrizes da música contemporânea. A abertura acontece com “Baby What You Want Me to Do”, de Jimmy Reed, gravada em Chicago em 7 de agosto de 1959 e lançada originalmente em single pela Vee-Jay Records em novembro daquele ano. Classificada como Chicago Blues, Electric Blues e Rhythm and Blues, a música apresenta uma das características mais reconhecíveis do estilo de Reed: uma interpretação vocal descontraída, frases melódicas econômicas, guitarra de ritmo constante e uma harmônica que dialoga com a voz. Sua maneira de tocar e cantar demonstra como a simplicidade aparente podia produzir uma identidade musical extremamente forte. A composição tornou-se um clássico do repertório de blues e foi reinterpretada por artistas de diferentes gerações, incluindo Elvis Presley e Etta James. Uma curiosidade interessante é que Jimmy Reed influenciou diretamente guitarristas e vocalistas ligados ao rock britânico, especialmente pela construção rítmica de suas músicas. Em seguida, “Three Aces on the Bottom of the Deal”, interpretada por Lightnin’ Hopkins, Brownie McGhee e Sonny Terry, com participação de Big Joe Williams, apresenta um encontro musical de grande interesse documental. Gravada em Hollywood em 6 de julho de 1960, a faixa reúne diferentes personalidades da tradição acústica afro-americana. Lightnin’ Hopkins representa o blues texano, com sua guitarra de acompanhamento flexível e sua maneira particular de construir narrativas musicais. Brownie McGhee contribui com a tradição do violão e da guitarra acústica, enquanto Sonny Terry acrescenta sua harmônica expressiva, marcada por uma sonoridade que reproduz elementos vocais e rítmicos. A participação de Big Joe Williams amplia a dimensão histórica do encontro, aproximando diferentes experiências regionais. Classificada como Country Blues, Acoustic Blues e Piedmont Blues, a gravação demonstra a riqueza de uma tradição musical que não dependia de grandes arranjos ou amplificação para alcançar profundidade expressiva. “Candy Man”, de Mississippi John Hurt, foi registrada durante o Newport Folk Festival, em Rhode Island, entre 25 e 28 de julho de 1963. A gravação representa um dos momentos mais significativos da redescoberta do blues acústico. Hurt desenvolveu um estilo de guitarra delicado, baseado em dedilhados precisos, linhas melódicas independentes e uma voz suave, bastante diferente da intensidade vocal associada a outros representantes do Delta Blues. Sua música apresenta uma combinação de blues, folk e elementos da tradição rural norte-americana. A história de John Hurt é particularmente interessante: depois de realizar gravações na década de 1920, permaneceu afastado da indústria fonográfica por muitos anos, sendo redescoberto no início dos anos 1960 por pesquisadores e entusiastas do blues. Sua participação em festivais e apresentações universitárias tornou-se um dos símbolos do revival. “Candy Man” demonstra a capacidade de transformar uma estrutura musical simples em uma interpretação de grande elegância. Na quarta faixa, “Fannin Street”, Dave “Snaker” Ray apresenta uma interpretação vinculada à tradição do blues acústico e do folk blues. Gravada em Nova York em 1964, a música tem origem no repertório associado a Lead Belly, importante representante da tradição musical afro-americana do sul dos Estados Unidos. Dave Ray integrou uma geração de músicos que ajudou a preservar e divulgar o repertório tradicional durante o revival dos anos 1960. Sua interpretação apresenta uma abordagem mais intimista, na qual a guitarra acústica e a narrativa vocal ocupam o centro da composição. A referência a Fannin Street remete a um universo urbano e popular que se tornou parte da memória musical do blues e do folk norte-americano. A gravação também demonstra como o revival não se limitou à redescoberta de músicos antigos: incluiu intérpretes mais jovens que estudaram, reinterpretaram e divulgaram o repertório tradicional. “Write Me a Few Lines”, de Mississippi Fred McDowell, foi gravada em Como, Mississippi, em 13 de fevereiro de 1964, e lançada no álbum Delta Blues, pela Arhoolie Records, no mesmo ano. McDowell foi um dos grandes representantes do blues rural do norte do Mississippi, desenvolvendo uma abordagem de guitarra slide caracterizada pela repetição rítmica, pela expressividade melódica e por uma sonoridade profundamente ligada às tradições do Delta. Sua maneira de tocar demonstra como o blues podia alcançar grande intensidade utilizando poucos elementos instrumentais. A guitarra assume uma função quase vocal, respondendo às frases cantadas e criando uma atmosfera hipnótica. Uma curiosidade importante é que Fred McDowell exerceu influência sobre músicos de blues-rock e folk, incluindo artistas interessados em recuperar as raízes acústicas da música afro-americana. Sua gravação de “Write Me a Few Lines” constitui um documento essencial para compreender a permanência do blues rural durante a expansão do blues elétrico. A sexta faixa, “Death Letter”, de Son House, é um dos pontos mais expressivos da coletânea. Gravada em Boston, em abril de 1965, a interpretação integra o período de redescoberta de um dos músicos mais importantes da tradição do Delta Blues. Son House desenvolveu uma linguagem marcada pela guitarra slide, pela voz intensa e por uma interpretação profundamente emocional. Sua música conserva elementos das tradições rurais afro-americanas, incluindo a influência dos cânticos religiosos, do trabalho e da narrativa oral. “Death Letter” apresenta uma atmosfera de perda e sofrimento, construída por meio de uma guitarra repetitiva e de uma voz que transmite tensão e dramaticidade. Uma curiosidade relevante é que a composição foi posteriormente reinterpretada por diversos artistas, incluindo The White Stripes, que ajudaram a apresentar o repertório de Son House a novas gerações. A gravação demonstra a força do blues como expressão de experiências humanas universais, sem perder sua identidade cultural específica. “Boom Boom”, de John Lee Hooker, foi gravada em Chicago em 1961 e lançada como single pela Vee-Jay Records em maio de 1962. A composição é uma das mais conhecidas da carreira de Hooker e representa uma das expressões mais marcantes do blues elétrico. Seu estilo caracteriza-se por uma estrutura rítmica hipnótica, marcada pela repetição, por pequenas variações de andamento e por uma maneira particular de organizar a relação entre voz e guitarra. Hooker não dependia de estruturas harmônicas complexas: sua força estava na capacidade de criar tensão por meio do ritmo e da repetição. “Boom Boom” tornou-se um sucesso duradouro e foi reinterpretada por inúmeros artistas, incluindo The Animals, cuja versão ajudou a popularizar a composição no cenário do rock britânico. A gravação original demonstra a importância de Hooker como um dos músicos que transformaram o blues rural em uma linguagem urbana e elétrica. Na sequência, Muddy Waters interpreta “Got My Mojo Working”, registrada durante sua apresentação no Newport Folk Festival, em 3 de julho de 1960. A gravação foi posteriormente incluída no álbum Muddy Waters at Newport 1960, lançado pela Chess Records em novembro daquele ano. Classificada como Chicago Blues, Electric Blues e Live Blues, a faixa demonstra a força de Muddy Waters diante de um público formado por apreciadores do folk e do blues. Sua voz possui grande presença, enquanto a guitarra elétrica e a seção rítmica sustentam uma interpretação de forte impacto. A canção, composta por Preston Foster e anteriormente gravada por Ann Cole, tornou-se um dos números mais conhecidos do repertório de Waters. A referência ao mojo remete a elementos do imaginário cultural afro-americano, associados a amuletos, atração e poder pessoal. Uma curiosidade importante é que a apresentação de Newport contribuiu para aproximar o blues elétrico de Chicago do público interessado no folk revival. “Born in Chicago”, do The Paul Butterfield Blues Band, representa um dos momentos decisivos da aproximação entre o blues afro-americano e uma nova geração de músicos brancos norte-americanos. Gravada em 1965 e lançada no álbum de estreia do grupo, pela Elektra Records, a composição de Nick Gravenites apresenta uma sonoridade elétrica, marcada pela harmônica amplificada de Paul Butterfield, pelas guitarras e pela seção rítmica. A música possui uma atmosfera urbana e uma construção instrumental que demonstra a influência direta do blues de Chicago. Butterfield foi um dos principais responsáveis por aproximar o repertório tradicional do blues do público jovem dos anos 1960, especialmente por meio de apresentações em festivais e concertos. Sua banda também se destacou pela participação de músicos experientes na linguagem do blues, contribuindo para um diálogo entre gerações. A gravação demonstra como o revival não significou apenas a recuperação do passado, mas também a criação de novas possibilidades para o gênero. “Good Morning Schoolgirl”, de Junior Wells’ Chicago Blues Band, foi gravada em Chicago em setembro de 1965 e posteriormente incluída no álbum Hoodoo Man Blues, lançado pela Delmark Records em 1966. A composição pertence a uma tradição de blues que remonta às gravações de Sonny Boy Williamson I e foi reinterpretada por diferentes músicos ao longo do tempo. Junior Wells apresenta uma abordagem marcada pela harmônica amplificada, pelo vocal expressivo e pela interação com a guitarra elétrica. O álbum Hoodoo Man Blues é considerado uma das gravações fundamentais do blues de Chicago da década de 1960, especialmente por sua capacidade de registrar a energia de uma formação de pequeno conjunto. A interpretação demonstra a importância de Junior Wells como um dos grandes representantes da harmônica elétrica e sua contribuição para a continuidade do blues urbano. Em “The Blues Never Die”, Otis Spann apresenta uma interpretação que destaca a importância do piano no blues de Chicago. Gravada aproximadamente em janeiro de 1965 e lançada no álbum The Blues Never Die, pela Prestige Records, a faixa demonstra a expressividade de um dos pianistas mais importantes da história do gênero. Spann foi colaborador frequente de Muddy Waters e desenvolveu uma linguagem musical que combina a tradição do piano blues com a intensidade do blues elétrico. Sua execução apresenta acordes marcados, frases melódicas expressivas e uma maneira particular de acompanhar a voz e os demais instrumentos. O próprio título da composição funciona como uma afirmação da permanência do blues, especialmente significativa em um período no qual o gênero voltava a conquistar espaço entre novos públicos. “Baby Scratch My Back”, de Slim Harpo, foi gravada em Crowley, Louisiana, em 1965 e lançada pela Excello Records no mesmo ano. A faixa representa o Swamp Blues, vertente regional caracterizada por uma sonoridade econômica, ritmos cadenciados, guitarra elétrica, harmônica e uma atmosfera descontraída. Slim Harpo, cujo nome verdadeiro era James Moore, desenvolveu um estilo particular, combinando elementos do blues rural da Louisiana com uma abordagem elétrica de grande apelo popular. Sua voz descontraída e a organização rítmica da música criam uma atmosfera envolvente, na qual a repetição desempenha papel fundamental. Harpo foi um dos artistas que mais contribuíram para a divulgação do blues da Louisiana, influenciando músicos de rock e rhythm and blues. A gravação também demonstra como o revival permitiu que estilos regionais voltassem a receber atenção fora de seus locais de origem. Na décima terceira faixa, “Coming Home to You Baby”, Sonny Boy Williamson II apresenta uma interpretação gravada em Copenhague, em 1º de novembro de 1963. A gravação documenta a circulação internacional do blues durante o período de revival, quando músicos norte-americanos passaram a realizar apresentações em festivais e circuitos europeus. Williamson foi um dos maiores representantes da harmônica no blues, desenvolvendo um estilo caracterizado pela precisão melódica, pela expressividade e pela capacidade de transformar pequenas frases instrumentais em elementos de grande personalidade. Sua interpretação combina a tradição do Delta Blues com a experiência adquirida no ambiente urbano de Chicago. A apresentação europeia possui importância histórica porque demonstra que o blues já havia ultrapassado as fronteiras norte-americanas e começava a ocupar posição de destaque no cenário musical internacional. “The Death of J.B. Lenoir”, de John Mayall & The Bluesbreakers, foi gravada em West Hempstead, na Inglaterra, em 12 de julho de 1967, e lançada no álbum Crusade, também em 1967. A composição representa uma homenagem ao músico J.B. Lenoir, cantor e guitarrista norte-americano que faleceu em 1967, aos 38 anos, em consequência de complicações relacionadas a um acidente automobilístico. Lenoir foi uma figura importante do blues de Chicago, conhecido por sua voz aguda, sua guitarra expressiva e por composições que frequentemente abordavam questões sociais e experiências pessoais. A interpretação de John Mayall demonstra o reconhecimento que músicos britânicos passaram a dedicar aos pioneiros do blues afro-americano. O caráter memorialístico da composição confere à faixa uma dimensão emocional particular, transformando a música em uma homenagem à memória de um artista cuja contribuição merecia maior reconhecimento. Em “On the Road Again”, Canned Heat apresenta uma interpretação que aproxima o blues tradicional do blues-rock e da psicodelia. Gravada em Los Angeles em 1968 e lançada como single no mesmo ano, a música tem como base uma composição associada a Floyd Jones, originalmente registrada em 1953. A versão do Canned Heat utiliza uma abordagem elétrica e repetitiva, com destaque para a harmônica amplificada e para a guitarra. A banda desenvolveu uma linguagem que combinava o blues de Chicago com elementos de rock, criando uma sonoridade característica do final dos anos 1960. Uma curiosidade importante é que a música se tornou um dos maiores sucessos do grupo e ajudou a popularizar o repertório do blues tradicional entre os jovens ouvintes da época. A gravação demonstra que o revival não se limitou à reprodução fiel das formas antigas, mas também permitiu que músicos contemporâneos transformassem o gênero em novas linguagens. “Blues Power”, de Albert King, foi gravada em San Francisco em 1968 e lançada no álbum Live Wire/Blues Power, pela Stax Records. A faixa demonstra a força de um dos guitarristas mais influentes da história do blues elétrico. Albert King desenvolveu uma técnica particular, utilizando a guitarra Gibson Flying V, cordas de calibre pesado e uma abordagem de bends que produzia frases melódicas de grande expressividade. Seu estilo influenciou guitarristas como Jimi Hendrix, Eric Clapton e Stevie Ray Vaughan. A interpretação combina a energia do blues de Chicago com a intensidade do soul e do rhythm and blues, apresentando uma sonoridade mais expansiva e moderna. O título da composição funciona quase como uma declaração de identidade musical, reafirmando a força do blues como linguagem viva e em transformação. A coletânea termina com “The Thrill Is Gone”, de B.B. King, gravada em Nova York em junho de 1969 e lançada no álbum Completely Well, pela ABC/BluesWay, no mesmo ano. A composição havia sido escrita por Roy Hawkins e Rick Darnell e registrada originalmente em 1951, mas a interpretação de B.B. King transformou a música em um dos maiores clássicos do blues moderno. Sua guitarra Lucille apresenta frases melódicas delicadas e expressivas, enquanto os arranjos com cordas ampliam a dimensão emocional da composição. A gravação combina a tradição do blues com elementos de soul e música popular contemporânea, demonstrando a capacidade de B.B. King de modernizar o gênero sem abandonar suas raízes. A faixa alcançou grande sucesso comercial e tornou-se uma das interpretações mais reconhecidas de sua carreira. Uma curiosidade importante é que a gravação contribuiu para ampliar a presença do blues no mercado fonográfico de alcance internacional. Seu encerramento é especialmente adequado, pois representa a continuidade e a transformação do gênero no final da década de 1960. Do ponto de vista estilístico, Blues Revival apresenta uma diversidade bastante significativa. O repertório pode ser classificado como uma combinação de Chicago Blues, Delta Blues, Country Blues, Acoustic Blues, Electric Blues, Swamp Blues, Harmonica Blues, Texas Blues, Folk Blues, Blues-Rock e Modern Electric Blues. Essa variedade demonstra que o revival não estava associado a uma única sonoridade, mas a um movimento de valorização de diferentes tradições e de aproximação entre o passado e o presente musical. O blues acústico aparece principalmente nas gravações de Mississippi John Hurt, Son House, Mississippi Fred McDowell e Lightnin’ Hopkins. Esses músicos representam diferentes experiências regionais e demonstram como a guitarra acústica, a voz e a tradição oral permaneceram elementos fundamentais do gênero. O blues elétrico urbano está presente nas interpretações de Muddy Waters, John Lee Hooker, Junior Wells e Otis Spann, enquanto Albert King e B.B. King representam uma abordagem mais moderna, com maior aproximação do soul e do rhythm and blues. John Mayall e Canned Heat, por sua vez, demonstram como músicos ligados ao rock incorporaram elementos do blues e contribuíram para sua divulgação internacional. Um dos aspectos mais importantes da coletânea é o registro da redescoberta de artistas tradicionais. Durante os anos 1960, músicos como Son House, Mississippi John Hurt e Mississippi Fred McDowell voltaram a receber atenção depois de períodos em que permaneceram afastados dos grandes circuitos comerciais. O interesse de pesquisadores, colecionadores, jornalistas e organizadores de festivais contribuiu para que essas figuras fossem reconhecidas como protagonistas de uma tradição musical que havia influenciado gerações posteriores. O Newport Folk Festival e outros eventos semelhantes tiveram papel importante nesse processo, proporcionando visibilidade a artistas que passaram a ser apresentados a públicos universitários e internacionais. Outro aspecto relevante foi a aproximação entre o blues afro-americano e a juventude branca norte-americana e europeia. O desenvolvimento de bandas como Paul Butterfield Blues Band, John Mayall & The Bluesbreakers e Canned Heat demonstrou que o blues continuava sendo uma linguagem capaz de inspirar novas formas de expressão. Essa aproximação teve grande importância para a divulgação internacional do gênero, embora também seja necessário reconhecer que muitos artistas afro-americanos responsáveis pela criação dessa tradição não receberam, durante décadas, o mesmo reconhecimento comercial concedido a alguns intérpretes posteriores. A presença de gravações realizadas em Chicago, Mississippi, Louisiana, Nova York, Boston, Copenhague, Hollywood e Inglaterra amplia o interesse documental do álbum. A diversidade geográfica demonstra que o revival não ficou restrito a um único centro musical. Ao contrário, envolveu diferentes circuitos de gravação, festivais, apresentações ao vivo e iniciativas de preservação. A atuação de gravadoras como Vee-Jay, Chess, Elektra, Arhoolie, Delmark, Excello, Prestige, London, Liberty, Stax e ABC/BluesWay foi fundamental para documentar e divulgar as diferentes manifestações do gênero. Do ponto de vista crítico, a principal qualidade de Blues Revival está na construção de um panorama equilibrado entre tradição e renovação. A coletânea não apresenta o blues como uma linguagem encerrada no passado, mas como uma forma musical que continuava se transformando. A presença de gravações acústicas ao lado de interpretações elétricas e de produções ligadas ao rock demonstra que o gênero possuía capacidade de adaptação sem perder sua identidade fundamental. Entre os momentos mais importantes estão “Death Letter”, de Son House, pela intensidade emocional e pelo valor histórico; “Candy Man”, de Mississippi John Hurt, pela elegância instrumental; “Boom Boom”, de John Lee Hooker, pela originalidade rítmica; “Got My Mojo Working”, de Muddy Waters, pelo registro histórico do blues elétrico diante de um público internacional; “Born in Chicago”, de Paul Butterfield, pela renovação geracional; “On the Road Again”, de Canned Heat, pela aproximação com o rock; “Blues Power”, de Albert King, pela força da guitarra elétrica; e “The Thrill Is Gone”, de B.B. King, pela capacidade de unir tradição e modernidade. Como toda coletânea, o álbum apresenta limitações. A seleção de 17 faixas não é suficiente para representar integralmente a diversidade do movimento de revival, deixando de fora outros artistas e gravações igualmente relevantes. Entretanto, sua organização permite compreender de maneira bastante eficiente as principais características do período. O disco também possui valor pedagógico, pois oferece exemplos de diferentes estilos, regiões e abordagens interpretativas, permitindo que o ouvinte perceba as transformações do blues ao longo de uma década. Considerando a importância histórica, a qualidade das interpretações, a diversidade estilística e a contribuição de cada gravação para a compreensão do movimento de revival, as faixas “Candy Man”, “Write Me a Few Lines”, “Death Letter”, “Boom Boom”, “Got My Mojo Working”, “Born in Chicago”, “On the Road Again”, “Blues Power” e “The Thrill Is Gone” representam alguns dos pontos mais expressivos da coletânea. As demais gravações complementam o panorama e demonstram a amplitude musical do período. A avaliação geral atribuída a esta coletânea é de 9,7/10. Trata-se de uma classificação crítica independente, baseada em critérios históricos e musicais, não de uma nota oficial da Rhino Records. Em conclusão, Blues Masters — The Essential Blues Collection, Volume 7: Blues Revival é uma coletânea de grande importância para compreender o processo de redescoberta e renovação do blues durante a década de 1960. Sua principal contribuição está em aproximar diferentes gerações de músicos e demonstrar como uma tradição musical de raízes profundas conseguiu recuperar visibilidade em um período de grandes transformações culturais. Ao reunir artistas tradicionais, intérpretes urbanos e músicos ligados ao rock, o álbum apresenta uma visão ampla do blues como linguagem viva, capaz de atravessar fronteiras geográficas, sociais e estilísticas. Mais do que uma seleção de gravações históricas, o sétimo volume funciona como um registro de um momento decisivo da música popular. Ele permite compreender como o blues deixou de ser visto apenas como uma manifestação regional e passou a ser reconhecido internacionalmente como uma das principais matrizes do jazz, do rhythm and blues e do rock. Sua audição é recomendável para colecionadores, pesquisadores, estudantes e apreciadores que desejam compreender a importância do blues não apenas em suas origens, mas também em sua capacidade de renovação e permanência cultural.
Gravações entre 1959 e 1969:
Faixa 1 gravada em Chicago, 7 de agosto de 1959. Single Vee-Jay nº 333, novembro de 1959.
Faixa 2 gravada em Hollywood, 6 de julho de 1960. Do álbum Lightnin' - Sonny - Brownie, Society nº 1009, c. 1966.
Faixa 3 gravada em Newport, RI, de 25 a 28 de julho de 1963. Do álbum Blues At Newport [vários artistas], Vanguard nº 79145, 1964.
Faixa 4 gravada na cidade de Nova York, 1964. Do álbum "Spider" de John Koerner, Dave "Snaker" Ray e Tony "Little Sun" Glover: [Lots More] Blues, Rags And Hollers, Elektra nº 7267, 1964.
Faixa 5 gravada em Como, MS, em 13 de fevereiro de 1964. Do álbum Delta Blues, Arhoolie nº 1021, novembro de 1964.
Faixa 6 gravada em Boston, abril de 1965. Do álbum The Legendary Son House: Father Of The Folk Blues, Columbia nº 9217, 1965.
Faixa 7 gravada em Chicago, 1961. Single Vee-Jay nº 438, maio. 1962.
Faixa 8 gravada em Newport, RI, 3 de julho de 1960. Do álbum Muddy Waters At Newport 1960, Chess nº 1449, novembro de 1960.
Faixa 9 gravada em 1965. Do álbum The Paul Butterfield Blues Band, Elektra nº 7294, outubro de 1965.
Faixa 10 gravada em Chicago, setembro de 1965. Do álbum Hoodoo Man Blues, Delmark nº 9612, 1966.
Faixa 11 gravada em Chicago, por volta de janeiro de 1965. Do álbum The Blues Never Die, Prestige nº 7391, 1965.
Faixa 12 gravada em Crowley, LA, 1965. Single Excello nº 2273, 1965.
Faixa 13 gravada em Copenhague, 1º de novembro de 1963. Do álbum Portraits In Blues, Vol. Faixa 14
gravada em West Hempstead, Inglaterra, em 12 de julho de 1967. Do álbum Crusade, London #529, 1967.
Faixa 15 gravada em Los Angeles, 1968. Single Liberty #56038, 1968.
Faixa 16 gravada em São Francisco, 1968. Do álbum Live Wire Blues Power, Stax #2003, 1968.
Faixa 17 gravada em Nova York, junho de 1969. Do álbum Completely Well, ABC/BluesWay #6037, 1969.
Boa audição - Namastê
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