Ron Carter & Jim Hall – Telepathy. Live At Village West / Telephone

Artista: Ron Carter & Jim Hall 

Álbum: Telepathy. Live At Village West / Telephone

Lançamento: 2019

Selo: Concord Jazz/CCD2-4963-2

Gênero: Bop, Cool Jazz

Dois álbuns de duetos, ambos gravados ao vivo com dois anos de diferença entre dois gigantes: o baixista Ron Carter e o guitarrista Jim Hall. Hall junto com seus ex-companheiros de banda Jimmy Giuffre e o falecido Paul Desmond é o improvisador melódico por excelência e Carter apesar com suas passagens pelas bandas de Rollins e Coltrane é adepto de transitar entre diferentes espaços musicais — seja intervalar, modal ou estilisticamente — sem dificuldade. A interação íntima encontrada tanto em Live at the Village West quanto em seu sucessor, Telephone (como em uma conversa de duas vias) de 1984 é simplesmente notável. A formação é entre dois instrumentistas de linha de frente que são ritmistas por direito próprio. Hall é um guitarrista rítmico consumado e tem a oportunidade de demonstrar isso em faixas como "Down From Antigua", "Laverne Walk", "Indian Summer" e "Two's Blues". Carter conhecido por seu compromisso rítmico inabalável, mostra-se habilidoso como solista em um ambiente tão intimista. Confira seus solos em "Bag's Groove" e "Alone Together". Hall no entanto é a maior surpresa. Apesar de ser como seria de se esperar uma gravação bastante tranquila, a complexidade de sua execução e suas elevadas escalas harmônicas são simplesmente impressionantes. Em seu solo ascendente em "Telephone" de Carter, ele mergulha no ritmo e na harmonia da música, alternando-os intervalo por intervalo. Em "St. Thomas" do álbum Village West, ele reproduz o padrão de solo de três cordas pelo qual é tão famoso, inverte a harmonia e a melodia e constrói uma nova série de mudanças no meio do solo. O swing discreto e magnífico encontrado nesta reedição prova uma coisa com certeza: essas duas gravações sempre deveriam ter sido lançadas juntas. São duetos indispensáveis ​​de guitarra e baixo, executados por dois mestres da comunicação musical intimista.

Baixo – Ron Carter

Guitarra – Jim Hall

CD1: Gravado ao vivo no Village West, Nova Iorque, novembro de 1982.

CD2: Gravado ao vivo no Concord Pavilion, Concord, CA, agosto de 1984.

 Boa audição - Namastê

Bill Evans - Smile With Your Heart: The Best of Bill Evans on Resonance Records

Artista: Bill Evans

Álbum: Smile With Your Heart

Lançamento: 2019

Selo: Resonance Records/HLP-9043

Gênero: Modern jazz, Cool Jazz

Quase quatro décadas após sua morte, o legado de Bill Evans continua vivo. Sua influência sobre os pianistas do futuro reside na utilização criativa de acordes em bloco, harmonia impressionista e desenvolvimento motívico. Após trabalhos impressionantes com Miles Davis (Kind Of Blue) e Art Farmer (Modern Art), Evans iniciou uma carreira solo que redefiniu o piano jazz. Seu catálogo mais prolífico foi em formato de trio. Ele habilmente delegava os acordes fundamentais ao baixista, permitindo-se maior flexibilidade na improvisação e na exploração melódica. Permaneceu dedicado ao jazz "estrito" e jamais abraçou os diversos movimentos de fusão ou outras fusões de gênero. Apesar de suas batalhas com demônios pessoais, a produção de Evans ao longo das décadas de 60 e 70 foi extraordinária. A Resonance Records, uma gravadora independente de jazz, fundada por George Klabin em 2005 e seu objetivo da gravadora era preservar a arte e o legado do jazz e promover novos talentos do gênero. Entre os artistas preservados estavam John Coltrane, Gene Harris, Scott LeFaro, Wes Montgomery e Bill Evans. A descoberta de gravações "perdidas" de grandes estrelas do jazz catapultou a Resonance para o estrelato no gênero. Houve quatro lançamentos de material de Bill Evans: Live At Art D'Lugoff's Top Of The Gate, Some Other Time: The Last Session From The Black Forest, Another Time: The Hilversum Concert e Evans In England. Com a colaboração dos herdeiros do pianista (um elemento essencial deste programa), Klabin e o co-produtor Zev Feldman reuniram uma seleção desses álbuns. Bill Evans – Smile With Your Heart certamente encantará a legião de fãs de Bill Evans, ou qualquer entusiasta do jazz. A faixa de abertura é uma versão acelerada em compasso 3/4 de "Someday My Prince Will Come", canção inspiradora foi apresentada pela primeira vez no filme da Disney de 1937, Branca de Neve e os Sete Anões. Ela agora está enraizada nos anais da história do jazz, com versões de Dave Brubeck, Miles Davis e Herbie Hancock, para citar alguns. Evans gravou essa composição no álbum de 1959, Portrait In Jazz. Esta versão é ao vivo e abraça a dinâmica de seu trio (Eddie Gomez/contrabaixo; Marty Morell/bateria). Evans desliza com a melodia, trazendo seu ritmo e fraseado precisos à tona. Os acordes e a notação no primeiro solo são hipnotizantes. Gomez traz uma urgência discreta ao seu solo. As viradas de bateria de Morell são eficazes. Evans consegue destilar o anseio intrínseco e esperançoso e traduzi-lo para o swing. Músicos de jazz frequentemente tocam uma canção popular menos conhecida e a apresentam a um novo público. Esse é o caso de “Yesterdays”. Oscar Peterson, Erroll Garner, Art Tatum e Bud Powell gravaram essa música. Bill Evans a incluiu em Further Conversations With Myself. Novamente, piano, contrabaixo e bateria se entrelaçam com maestria. Enquanto Gomez faz um solo, Evans e Morell respondem com uma elocução precisa. Evans executa uma passagem emocionante aos 2:40, que é ao mesmo tempo vigorosa e lírica. O ritmo geral do trio é impecável. Em uma mudança de ritmo, “Mother Of Earl” exala uma atmosfera lúdica e saltitante. Evans parece flutuar sobre as notas, injetando acordes atmosféricos enquanto Gomez responde. O final remete à fraseologia da música clássica e ao ritmo do jazz. “You're Gonna Hear From Me” faz parte da trilha sonora de André e Dory Previn para o filme cult de 1965, “Inside Daisy Clover”. A vibração de estalar os dedos é emoldurada por acordes e notas alegres que possuem um tom inspirador e pontuações ocasionais. Em “Baubles Bangles And Beads”, outra canção da Broadway, o fluxo perfeito de Evans em ritmo de valsa conduz a um solo característico, liricamente notado. Seus solos são medidos e tornam-se cada vez mais complexos. O floreio sincopado de Gomez adiciona outra textura. Quando uma ótima melodia se une a um grande músico, o resultado pode ser algo especial. O clássico perene de Rodgers/Hart, “My Funny Valentine”, tornou-se parte vital da história do jazz quando Chet Baker e Stan Getz o interpretaram em 1954. Esta ode à melancolia em dó menor é o veículo perfeito para a interpretação melódica de Evans. Sua sensibilidade etérea, ressonância comovente e floreios precisos são cativantes. Há mudanças de andamento, alterações de acordes e uma eloquência geral que envolvem a canção. “Nardis” é uma composição de Miles Davis que se tornou fortemente associada a Evans. Este exemplo clássico da modalidade jazzística do final dos anos 50 tem sido uma parte significativa do legado de gravações de Bill (múltiplas versões). Aqui, Evans apresenta riffs swingados e passa a palavra para Gomez, que executa seu solo com maestria. O trio retorna com ferocidade e o solo de Evans é cintilante. Jack DeJohnette é magnético em um extenso solo de quatro minutos. É um trio de jazz em sua melhor forma! “Very Early” (uma composição original) data de 1962, o início da história do trio de Evans. Após a introdução contemplativa, Evans transita para um swing com nuances de bebop, construindo a partir de uma transição em 3/4 que também encerra a música. Essas mudanças reflexivas são um componente de outra composição original, “Turn Out The Stars”. Evans transita com maestria entre o ritmo acelerado e a contemplação tranquila. O primeiro sucesso de Frank Sinatra com big band, “Polka Dots And Moonbeams”, já foi interpretado por diversos artistas de jazz, mas nenhum com as nuances sofisticadas de Evans. Esta apresentação ao vivo é um clássico. O ouvinte pode apreciar a expressividade e a leveza da interpretação de Evans em “Re; The Person I Know”. Além disso, a intensidade musical nunca diminui, com o baixo pulsante e a bateria constante impulsionando essa jam. É provável que “Waltz For Debbie” (inspirada em sua sobrinha) seja a obra mais marcante de Bill Evans em seu notável repertório. Os críticos consideram a canção o ápice da performance de Bill Evans com trio. É lúdica e organicamente propulsiva. Smile With Your Heart: The Best Of Bill Evans On Resonance é um álbum de jazz extremamente agradável e um testemunho de um artista lendário e de uma gravadora à altura de sua arte.

Boa audição - Namastê

VA - The Rough Guide To The Roots Of Country Music (Reborn And Remastered)

Artista: VA

Álbum:...to The Roots Of Country Music (Compilation)

Lançamento: 2019

Selo: Music Rough Guides / World Music Network

Gênero: Country, Appalachian Music, Folk, Bluegrass

Das bandas de cordas pioneiras e antigos maestros do banjo ao primeiro astro da música country, Jimmie Rodgers, este Guia Prático apresenta muitos dos artistas pioneiros que abriram caminho para a explosão da música country que viria a seguir. termo "música country" ainda não havia sido concebido quando esses pioneiros do folk americano gravaram nas décadas de 1920 e início de 1930. Foi somente na década de 1940 que ele passou a ser usado no dia a dia como uma alternativa ao que era amplamente conhecido como música caipira, uma descrição um tanto ultrapassada e degradante. Em termos gerais, a música country deriva de uma mistura de formas musicais populares originárias do sul dos Estados Unidos e dos Montes Apalaches. Suas verdadeiras origens, no entanto, estão profundamente enraizadas nas culturas dos primeiros colonizadores europeus na América, que trouxeram consigo suas tradições folclóricas do velho mundo, que, com o tempo, incorporaram outros elementos musicais, como as tradições afro-americanas do gospel e do blues. Antes da fama generalizada de Jimmie Rodgers popularizar a guitarra como instrumento essencial para músicos solo, o violino era o instrumento predominante, com nomes como Fiddlin' John Carson e Eck Robertson entre os primeiros a gravar comercialmente. Robertson é amplamente considerado o melhor violinista desta época e uma inspiração para uma geração de violinistas, como comprova seu maravilhoso trabalho com o arco na famosa música "Texas Wagoner". O banjo foi outra arma potente de escolha para algumas figuras seminais da música antiga, incluindo Dock Boggs, cuja música era uma combinação única de música folclórica dos Apalaches e blues afro-americano, e o Tio Dave Macon. Nascido em 1870, Macon alcançou fama regional como artista de vaudeville no início da década de 1920, antes de se tornar a primeira estrela do Grand Ole Opry na segunda metade da década. Sua importância é corretamente reconhecida pelo historiador musical Charles Wolfe, que escreve: "Se as pessoas chamam o cantor iodel Jimmie Rodgers de 'pai da música country', então o Tio Dave certamente deve ser 'o avô da música country'." Muito antes do desenvolvimento da guitarra de lap steel, marca registrada da banda, se tornar um som sinônimo de música country, o slide entrou em cena já em 1922, quando Jimmie Tarlton conheceu o famoso guitarrista havaiano Frank Ferera. Ele se junta ao parceiro de música Tom Darby em "Sweet Sarah Blues", uma música que simboliza uma era de cruzamento musical, com a guitarra havaiana e os estilos de blues se encontrando com o folk nativo da Carolina do Sul. Foi essa disposição para o intercâmbio musical entre esses músicos pioneiros que lançaria as bases para a música country popular como é conhecida hoje.

Boa audição - Namastê

VA - The Rough Guide To Blind, Black & Blue (Reborn And Remastered)

Artista: VA

Álbum:...to Blind, Black & Blue (Compilation)

Lançamento: 2019

Selo: Music Rough Guides / World Music Network

Gênero: Country Blues, Gospel

 Um fenômeno notável na história do blues foi a vasta contribuição de músicos cegos, cujo legado deixou um impacto duradouro na música americana até hoje. De "O Pai do Blues do Texas", Blind Lemon Jefferson, ao evangelista da slide guitar Blind Willie Johnson, este Guia Prático destaca os pioneiros cegos do blues que, contra todas as probabilidades e diante de adversidades incríveis, foram responsáveis ​​por uma revolução musical. Reza a lenda que duas das maiores figuras do blues country se apresentaram em lados opostos da rua em Marlin, Texas. Tanto "O Pai do Blues Texas", Blind Lemon Jefferson, quanto o evangelista da slide guitar Blind Willie Johnson deixaram legados musicais notáveis ​​diante de adversidades incríveis, lidando com a cegueira em condições de pobreza e confrontando todas as desvantagens impostas pela segregação racial. É graças ao incrível talento desses grandes nomes do blues, juntamente com nomes como o Rev. Gary Davis e Blind Blake, que a imagem de um bluesman cego é, sem dúvida, um dos temas mais icônicos e significativos da história do blues. Não se pode negar que muitos dos grandes nomes apresentados desenvolveram um senso de musicalidade aguçado que os diferenciava dos demais. Isso não passou despercebido pelas gravadoras, que rapidamente exageraram o fato de o artista ser cego para aumentar o interesse popular e as vendas dos discos, garantindo que o nome do artista fosse precedido por "Blind" (cego). No caso de Blind Joe Taggart, abundam as especulações sobre a legitimidade do uso do prefixo "Blind" (cego), já que, segundo seu aprendiz na época, Josh White, Taggart só tinha catarata e conseguia "enxergar um pouco", um exemplo clássico de como as gananciosas gravadoras exploravam o uso desse termo. A realidade é que, cegueira à parte, as gravações de nomes como Blind Willie McTell, Blind Blake e Blind Willie Johnson estão em outro nível, tanto em termos de brilhantismo técnico quanto de profundidade emocional, e são insuperáveis ​​no gênero.

Boa audição - Namastê

VA - The Rough Guide to Country Blues (Reborn And Remastered)

Artista: VA

Álbum:...to Country Blues (Compilation)

Lançamento: 2019

Selo: Music Rough Guides / World Music Network

Gênero: Blues Country , Blues do Delta

Da sublime guitarra com gargalo e rags animados às canções clássicas de cantores e besteiras, este Rough Guide destaca as muitas facetas diferentes do country blues, com faixas de lendas do blues, incluindo Blind Lemon Jefferson, Charley Patton, Skip James e muitos, muitos outros. Em termos gerais, o country blues é melhor descrito como o primeiro florescimento das formas acústicas, principalmente de guitarra, do blues, frequentemente incorporando elementos de ragtime, gospel, hillbilly e jazz dixieland. O termo também fornece um título geral conveniente para todos os múltiplos estilos e variações regionais (Piedmont, Memphis, Texas e Delta etc.). Isso resulta em uma seleção incrivelmente variada de faixas, desde sublimes guitarras com gargalo e rags animados até canções clássicas de cantores e blues sagrado. Antes do bluesman, havia o cantor, e foram esses trovadores viajantes que ajudaram a lançar as bases para o desenvolvimento do blues. Munidos de violão ou banjo, eles tocavam todas as formas de música popular da época, de canções folclóricas e baladas a rags e spirituals. Uma dessas figuras imponentes foi Leadbelly, que supostamente podia recorrer a um repertório abrangente de mais de 500 músicas, tornando-o uma jukebox humana de sua época. Outros artistas em destaque, incluindo Furry Lewis e Frank Stokes, deixam vislumbres de suas raízes como cantores, com a variação de balada assassina "Billy Lyons And Stack O'Lee" e a faixa de jogo "I Got Mine". Quando o country blues foi gravado pela primeira vez em meados da década de 1920, não era tocado apenas por afro-americanos, mas também por músicos brancos, cuja música compartilhava muito em comum. Prova disso está na interpretação do trovador branco Dick Justice, cuja versão de "Cocaine" é indubitavelmente inspirada na gravação homônima de Luke Jordan, de 1927. Da mesma forma, a enorme influência do grande Blind Lemon Jefferson é bastante evidente na ágil execução de Clarence Greene em "Johnson City Blues".

Boa audição - Namastê

 

VA - The Rough Guide to Birth of a Legend (Billie Holiday)

Artista: Billie Holiday

Álbum:...to Birth of a Legend Billie Holiday (Compilation)

Lançamento: 2019

Selo: Music Rough Guides / World Music Network

Gênero: Vocal Jazz, Holy Blues 

Em uma noite fria de 1939, Billie Holiday subiu ao palco em Nova York e cantou pela primeira vez uma música que talvez seja a mais angustiante já escrita. Um lamento pelos linchamentos racistas que ainda eram comuns no Sul Profundo dos Estados Unidos, um suspiro audível se elevou da plateia racialmente integrada enquanto ela cantava: Southern trees bear strange fruit, "Árvores do sul dão frutos estranhos". Blood on the leaves and blood at the root, "Sangue nas folhas e sangue na raiz". Black bodies swinging in the southern breeze, "Corpos negros balançando na brisa do sul". Strange fruit hanging from the poplar trees, "Frutas estranhas penduradas nos choupos". A letra chocante e a dor lancinante que transparece na voz de Holiday tornam "Strange Fruit" diferente de tudo na música popular. Quando ela cantou "Strange Fruit" ao vivo, encerrou o show com a música, pois não havia nada que pudesse ser seguido. Os funcionários do bar receberam ordens para interromper o serviço e o salão ficou às escuras, exceto por um único holofote no rosto de Holiday, que permaneceu de olhos fechados, como se estivesse evocando uma prece. “Strange Fruit” tem sido aclamada como a canção que deu origem ao movimento pelos direitos civis e, em 1999, a revista Time a nomeou "Melhor Canção do Século XX " . A canção também parece resumir a vida de Holiday. “Strange Fruit” descreveu uma tragédia, mas foi um triunfo artístico, assim como a própria cantora transcendeu a pobreza precoce, o vício, o tratamento brutal dos homens em sua vida e o racismo institucionalizado para se tornar um talento deslumbrante e uma das cantoras mais expressivas de todos os tempos. “Strange Fruit” encerra esta coletânea em homenagem à maneira como Holiday interpretou a canção em concertos. No entanto, como mostram as outras seleções deste disco, representou apenas uma faceta de sua arte. Lady Day " apelido do seu amigo e parceiro musical Lester Young, morreu em 1959, aos 44 anos, de cirrose hepática e doença cardíaca causadas por seu vício crônico em álcool e drogas. Seus ganhos foram extorquidos e ela estava quase sem um tostão. Mesmo em seu leito de morte, foi presa por posse de narcóticos e um guarda policial foi colocado em seu quarto. Até o fim, a tragédia pessoal de sua vida e a genialidade de seu canto pareciam estar interligadas.

Boa audição - Namastê

 

Stan Getz Quartet - Getz at the Gate

Artista: Stan Getz Quartet

Álbum: Getz At The Gate (Live At The Village Gate, Nov. 26, 1961)

Lançamento: 2019

Selo: Verve Records & Universal Music Enterprises

Gênero: Cool Jazz

1961 foi o ano anterior ao aparecimento da grande gravação de Jazz Samba de Stan Getz e Charlie Byrd. O sucesso do álbum rendeu uma influência tão imponente que impactou o rumo da vida criativa do saxofonista. Antes disso, havia poucas provas registadas que documentassem para onde Getz se dirigia depois de regressar à América após uma estada de três anos em Copenhaga. Getz gravou Focus com Eddie Sauter no verão de 1961, e no outono, Stan Getz & Bob Brookmeyer: Recorded Fall 1961 foi gravado com os outros membros de sua "Boston Band": o baterista Roy Haynes, o pianista Steve Kuhn e o baixista John Neves. Este grupo foi capturado no Village Gate em novembro. No início daquele ano, Getz formou um quarteto com o baixista Scott LaFaro que incluía Kuhn e o baterista Pete LaRoca. No início de março, Haynes (depois do lobby do baixista) estava na cadeira da bateria. Em 3 de julho, o quarteto foi aplaudido de pé em Newport; três dias depois, LaFaro morreu em um acidente. Duas semanas depois, o saxista contratou Neves. Simultaneamente, John Coltrane substituiu Getz no topo das pesquisas de tenor em 1961. Suas novas direções - monitoradas por Getz na Europa - influenciaram a direção mais musculosa empregada aqui, que evaporaria em Focus e Jazz Samba. Além disso, Kuhn trabalhou com 'Trane antes de McCoy Tyner. Seus novos rumos – monitorados por Getz na Europa – influenciaram a direção mais musculosa empregada aqui que evaporaria em Focus e Jazz Samba. Além disso, Kuhn trabalhou com 'Trane antes de McCoy Tyner. Seus novos rumos – monitorados por Getz na Europa – influenciaram a direção mais musculosa empregada aqui que evaporaria em Focus e Jazz Samba. Além disso, Kuhn trabalhou com 'Trane antes de McCoy Tyner. Nos cofres há 58 anos, essas fitas contêm todas as notasda performance escaldante do quarteto em Nova York. O tom rico de Getz, os solos rápidos e a perseguição rítmica são exibidos no início de uma leitura tempestuosa de "It's Alright with Me", de Cole Porter. Getz e companhia também exibem sua força em leituras semimodernistas consecutivas de "Impressions" de Coltrane (que Kuhn tocou na banda Trane) e "Airegin" de Sonny Rollins. Mas o swing não falta: ele é amplamente exibido durante o primeiro set em tomadas alegres e bem-humoradas de "Like Someone in Love" de Van Heusen e Burke e "Wildwood" de Gigi Gryce. Uma leitura flamejante de "Woody 'n You" de Dizzy Gillespie apresenta um trabalho impressionante de Kuhn, seguida pela jam de dez minutos e meio "Blues". e o pacote contém um belo ensaio de Bob Blumenthal. Este concerto é uma grande descoberta: ele ilumina um período historicamente obscuro e musicalmente aventureiro da carreira de Getz, que representa o caminho não percorrido.

 Sax. Tenor - Stan Getz  

Piano - Steve Kuhn 

Baixo - John Neves  

Bateria - Roy Haynes 

Gravado no domingo, 26 de novembro de 1961 no Village Gate, cidade de Nova York

Boa audição - Namastê

João Gilberto, a voz da Bossa Nova

*10/06/1931 - 06/07/2019+

Um tempo pra RELAXAR

Quando estamos absolutamente presentes naquilo que fazemos, até um mergulho no 

mar, num dia calmo, pode ser pura meditação 

- Monja Coen -