Em 1961 Norman Granz vendeu a Verve - criada em 1956 - à então gigante MGM (Metro-Goldwyn-Mayer, Inc) e para dirigi-la foi recrutado Creed Taylor com poderes de general para o selo. Carregado de energia e depois de ter estabelecido na Impulse na ABC, Taylor tomou uma série de decisões executivas de imediato – nomeando a contratação agressiva de alguns nomes de peso dessa época, como Stan Getz ou Bill Evans – e direcionou seu catálogo ao grande público faminto de jazz. Nesta era, ainda antes dos Beatles redefinirem as coordenadas da indústria musical, a divisão era clara: rock and roll era coisa de adolescentes e o jazz música de adultos responsáveis. Alheio às revoluções estéticas que sacudiam o ritmo nesta época, Creed Taylor delineou uma estratégia que colocava claramente o lucro antes da arte e o impacto antes da invenção. Com o público americano ainda imerso numa ideia muito particular de exotismo – bem expressa nas “febres” do Mambo ou na “tiki culture” que celebrava toda a ilha que tivesse um vulcão e nativas com saias de palha – Taylor apontou sua direção à bossa nova que ecoava nos apartamentos do Rio de Janeiro e foi um dos responsáveis por trazer o gênero para a América. Ponta de lança no seu catálogo para essa missão? Stan Getz. Aproveitando o fato de Charlie Byrd ter regressado de uma digressão pelo Brasil apoiada pelo Departamento de Estado americano, Getz iniciou em 1962 uma série de gravações que se revelariam chave para impor a bossa nova nos Estados Unidos, a primeira das quais “Jazz Samba”, com a participação de Byrd. Em 1963 com o álbum chamado Stan Getz & Bill Evans registra uma sensualidade nata de dois gênios. O tema central do álbum, desses dois monstros, mistura efemeridade e contraponto violento para ser resolvido em um trabalho coçaborativo. Ou seja, os sentimentos antagônicos que podem criar "o outro" (e aqui, em termos lacanianos quase mais do que os outros em termos dêiticos, pronomes) são transformados, em vez de um insulto, uma forma de embelezar as frases de cada instrumento. Sobre a questão dos protagonistas, Getz e Evans são dicotômicos. Para o baixo nada menos que o magnífico e unico mestre do improvisos de cordas alongadas, Ron Carter com seu som único e expressividade ímpar, fizeram dele um músico de estúdio muito procurado — suas aparições em centenas de álbuns fizeram dele um baixista com uma extensa lista de gravações na história do jazz, ao lado de Milt Hinton e George Duvivier. Carter possui ainda um extenso trabalho com gravações de música erudita. Na bateria, o cimento nas mãos de Elvin Jones, com batidas não convencional, um pouco de afro-cubana, mas em última análise deixa marca clara do ritmo de jazz. O trabalho de Elvin sobe com possível dor destes dois mestres do jazz, vindo de um bateristas de jazz da era pós-bop. Já Richard Davis na verdade é um desconhecido na bateria e segue a linha de Elvin neste albúm. O resultado é, pois claro, intensamente brilhante. As faixas 1, 2, 3, 7, 8 e 11 foram gravadas em 06 de Maio de 1964 e as 4, 5, 6, 9, e 10 em 05 de Maio de 1964 no Studio Rudy Van Gelder's - Englewood Cliffs, N.J, pelo selo Verve.
Eric Dolphy and the Misha Mengelberg Trio
Gravado no dia 25 de setembro de 1964 durante o festival Berliner Jazztage, "Miles in Berlin" é um daqueles albuns que pode ser chamado de - melhores registros ao vivo de Miles Davis - incluindo as fases de sua inicial carreira até este festival. È considerado uma das primeiras gravações do Segundo Grande Quinteto de Miles, o albúm traz o trompetista acompanhado por Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter e Tony Williams em suas seis faixas de pura inovação,(no bolachão original são apenas cinco, tendo incluido na reedição de 2005 "Stella by Starlight", segundo gravada na época e não colocada por motivos ignorados), apresentando alguns dos momentos mais sublimes de sua carreira de Miles. Nascia, então, o quinteto que viria a estabelecer um novo patamar em sua carreira – e na história do jazz de um modo geral, redefinindo conceitos de textura, dinâmica e improvisação coletiva. Neste show gravado em 64, pode-se ouvir temas como “Milestones”, “Autumn leaves”, “So what” (Shorter mostrando seu fraseado oblíquo, Hancock respondendo com um solo cheio de dissonâncias), uma versão inédita de “Stella by starlight” e “Walkin’” adquirindo nova dimensão, compensando a deficiente qualidade do som mono. Curioso é o fato de Shorter compor especialmente para o grupo, tornando-se peça-chave em uma das melhores fases da multifacetada carreira de Miles – a mais dinâmica, revolucionária e obsessivamente criativa que o jazz conheceu. Outro fator importante foi o fato do disco ser gravado historicamente pela Orquestra Filarmônica de Berlin, onde cinco negros norte-americanos viraram o jazz de cabeça para baixo. Miles executa seu papel de sidemam com brilhantismo habitual, solando com maestria, chamando os outros instrumentistas com seu trumpete, perfazendo com que cada um tenha o seu momento próprio. O disco abre com a swingada "Milestones", cheia de quebras de andamento e malabarismos instrumentais; segue com aquela que muitos dos fás e estudiosos da obra de Miles Davis classificam como a melhor versão de "Autumn Leaves", de arrepiar realmente; o mítico álbum "Kind of Blue" de 1959 é revisitado com a sua faixa de abertura, "So What", devidamente desconstruída pelo quinteto; "Stella by Starlight" traz Miles olhando para o seu início de carreira e "Walkin´" é um exercício policromático repleto de paisagens que se constróem a cada novo movimento. Miles in Berlin é uma obra-prima do jazzmusical, um registro antológico de um músico na esfera da criação.
Miles, miles, miles... o que dizer de um gênio que por se só já vale sem comentários ou outra forma de expressão que o traduza de sua criatividade.Trago esse albúm como marca d´agua na carreira visionária de Miles em sua fase inventiva. A primeira versão é de 56 entitulada "Cookin' with the Miles Davis Quintet DCC" (que posteriormente colocarei aqui), gravado com a primeira grande formação Miles Davis Quintet com Miles no trompete, John Coltrane no sax tenor, Red Garland no piano, Paul Chambers no baixo, e Philly Joe Jones na bateria. A segunda versão é gravado oito anos mais tarde, no Lincoln Center's Philharmonic Hall, com George Coleman ao sax, Herbie Hancock no piano, Ron Carter no baixo, e Tony Williams na bateria e o próprio Miles no Trompete. Ambas as versões são magníficas, e as diferença entre eles são os bons exemplos criativos entre os dois quintetos. Li numa entrevista que Herbie Hancock, elogiou essa formação e conta uma história sobre Miles. Quando Hancock trocava o tempo, Miles disse: não joga a manteiga nas notas. Hancock não intendeu aquilo e muito menos seu significado, sabendo depois que Miles dava instruções para a banda em críptico de metáforas. A fugacidadde dos músicos completa a belaza e a leveza deste albúm memoravel e inquestionavel. Produzido por Teo, pelo selo Columbia.
“A Love Supreme” é uma composição em forma de suíte jazzística, criada no apogeu da capacidade artística de John Coltrane e seus companheiros McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (baixo) e Elvin Jones (bateria), como uma elegia, uma canção de louvor ao Senhor. Não é um blues (embora, obviamente uma ponta apareça por conta da extrema versatilidade das influencias e do conhecimento de Coltrane), nem gospel ( inspiração existe, mas como inspiração). É jazz, no seu extremo. Feita para tocar o sentimentos humanos, beirando no sublime religioso.
