Box Set: A History of The Blues - VA (4CDs)

Artista: VA

Álbum: A History Of Blues, Part 1 (2CD)

Lançamento: 2010

Selo: Rhino Records/24969-1

Gênero: Chicago Blues, Delta Blues, Rhythm & Blues

O Blues americano surgiu no final do século XIX, no sul dos Estados Unidos, especialmente na região do Delta do Mississippi. Diferente de muitos estilos musicais que nasceram como entretenimento, o blues surgiu como uma forma de expressão profunda da experiência humana, ligada diretamente à realidade vivida pelos afro-americanos após o período da escravidão. Suas raízes estão nos cantos de trabalho (work songs), utilizados para coordenar esforços físicos e aliviar o peso do labor; nos spirituals, que traziam uma conexão espiritual e esperança; e nos chamados field hollers, vocalizações livres e emocionais que expressavam dor, solidão e resistência. A fusão desses elementos deu origem ao blues como uma linguagem musical e existencial. A estrutura do blues tradicional, especialmente o rural, é simples, mas poderosa. Geralmente segue um padrão de 12 compassos e utiliza o formato de “pergunta e resposta” (call and response). As letras costumam ser repetitivas e muitas vezes improvisadas, refletindo o momento vivido pelo músico. Um exemplo típico de abertura de blues seria: “I woke up this morning… feeling down and out…”, onde o cotidiano se transforma rapidamente em expressão emocional. Um dos locais simbólicos do nascimento do blues é Dockery Farms, no Mississippi, frequentemente considerado o berço do gênero. Foi nesse ambiente que trabalhadores rurais começaram a transformar suas vivências em música, utilizando instrumentos simples como o violão e a gaita. Entre os principais nomes do blues até 1940, destacam-se figuras fundamentais que moldaram o estilo. Charley Patton é considerado o “pai do Delta Blues”, com um estilo vocal forte e presença marcante. Son House trouxe uma intensidade emocional e espiritual profunda. Robert Johnson tornou-se uma lenda, tanto por sua habilidade musical quanto pelo mito do “pacto com o diabo”, influenciando gerações futuras. Skip James se destacou por sua sonoridade melancólica e uso de afinações incomuns. Na transição para o blues urbano e sua popularização, surgem nomes como W. C. Handy, conhecido como o “Pai do Blues”, responsável por formalizar e divulgar o gênero. Bessie Smith, chamada de “Imperatriz do Blues”, conquistou enorme sucesso com sua voz poderosa. Ma Rainey foi uma das primeiras grandes cantoras do estilo, enquanto Blind Lemon Jefferson foi pioneiro nas gravações comerciais de blues. O blues também possui curiosidades importantes que ajudaram a moldar sua trajetória. A improvisação era essencial, e muitos músicos nunca tocavam uma música da mesma forma duas vezes. O violão, por ser acessível, tornou-se o instrumento central. A expansão do blues ocorreu através das ferrovias, com músicos viajando e espalhando o estilo. As primeiras gravações, nos anos 1920, eram conhecidas como “race records”, voltadas ao público negro. Os temas mais comuns incluíam sofrimento, amor, perda, morte, estrada e busca por liberdade. Mais do que um estilo musical, o blues representa uma forma de encarar a realidade. Ele não busca esconder o sofrimento, mas sim expressá-lo de maneira direta e consciente. Ao transformar dor em música, o blues cria uma forma de compreensão e convivência com a própria existência. Em síntese, o blues nasceu da experiência vivida, consolidou-se entre 1900 e 1940, e tornou-se a base de grande parte da música moderna, influenciando diretamente gêneros como o jazz, o rock e o soul. Sua essência permanece como uma das expressões mais autênticas da condição humana.

Boa audição - Namastê

Boxset: A History of The Blues Vol. 1 & 2

O blues tem suas raízes mais profundas nas canções de trabalho dos escravos africanos. E nos campos de plantações do sul dos EUA, os escravos negros desenvolveram uma maneira de cantar para dar ritmo ao trabalho penoso. Este grito do campo serviu como base para toda a música que viria a seguir. Após o fim da guerra civil, os negros tinham poucas opções além do extenuante trabalho manual do campo ou tornar-se um menestrel itinerante. Muitos escolheram a ocupação de menestréis. Estes músicos contaram com a resistência física e mental do repertório das muitas canções de blues. Embora as letras fossem melancólicas, a música como um todo era poderosa, emotiva e rítmica celebrando a vida dos negros norteamericanos. As letras das canções refletiam temas do cotidiano de suas vidas que incluiam bebidas, sexo, ferrovias, prisão, morte, pobreza, trabalho duro e amor perdido. Embora seja difícil de definir, a primeira música documentada foi ‘Memphis Blues’, escrita por WC Handy em 1909. E a popularidade do blues cresceu entre os negros do sul com o advento do fonógrafo RPM 78, alguns dos artistas mais populares de blues do país foram registrados pela ‘Paramount’, ‘Aristocrat’ e outras gravadoras. Durante 1941-1943 o famoso folclorista Alan Lomax fez gravações de bluesmen, e este trabalho serviupara expor o blues para os brancos, bem como expor artistas inexperiente. Durante a Grande Depressão, os negros migraram para o norte ao longo da rota da Estrada de Ferro de Illinois para Chicago.Trouxeram com eles o blues, e logo o som encheu as turbulentas discotecas urbanas. Para serem ouvidos entre multidões barulhentas e em locais maiores, alguns dos artistas mais inventivos, como Muddy Waters e Howlin ‘Wolf, fizeram a mudança para guitarras elétricas e acrescentaram a bateria em suas bandas. Este novo blues elétrico de Chicago era mais poderoso do que o seu antecessor. O blues cada vez mais se fundiu com o rock’n’rol para formar as bandas de blues rock dos anos 60 e 70. Os Rolling Stones, John Mayall, Led Zeppelin e outros continuaram a tradição nobre de seus antepassados, os menestréis do blues.

‘A History of The Blues’ contém uma grande coleção de músicas dos pioneiros do blues. É uma grande compilação, para quem quer ouvir uma amostra de algumas das verdadeiras lendas.  Esta coleção de dois volumes, A History of the Blues, é uma jornada auditiva essencial que traça a evolução do gênero, desde suas raízes rústicas no Mississippi até sua transformação em um fenômeno global eletrificado. 

Vol.1: As Raízes e o Delta (1920 - 1940)- O primeiro volume é dedicado à era acústica, onde o blues era uma expressão crua de resiliência e sobrevivência no sul dos Estados Unidos. O som caracterizado pelo violão de aço, a harmônica ("gaita") e o piano honky-tonk. As gravações possuem a textura histórica dos discos de 78 RPM, conferindo uma atmosfera autêntica de "máquina do tempo" e o destaques fica por reúne os arquitetos do gênero, como Robert Johnson, Bessie Smith (a "Imperatriz do Blues") e Blind Lemon Jefferson causando impacto fundamental para entender a fundação da música popular moderna. Aqui, o blues é puro sentimento, focado na narrativa e no ritmo hipnótico do Delta.

Vol.2: A Era Elétrica e o Legado Moderno (1940 - Presente) - O segundo volume documenta o momento em que o blues "ganhou eletricidade" ao migrar para cidades como Chicago e Detroit, fundindo-se com o Rock e o R&B. O som de Guitarras elétricas com distorção, bandas completas com baixo e bateria e uma produção mais robusta e "limpa" para os padrões modernos. O destaques esta na lista de artistas em uma verdadeira "Calçada da Fama": Muddy Waters e John Lee Hooker: Os mestres que eletrificaram o gênero em Chicago. B.B. King e Buddy Guy: Definiram o fraseado e a técnica do solo de guitarra moderna. Jimi Hendrix e Stevie Ray Vaughan: Representam a ponte onde o blues se torna virtuoso e psicodélico, influenciando gerações de rockstars. Impacto deste volume é mais acessível ao ouvinte contemporâneo, mostrando como o blues se tornou a espinha dorsal do Rock 'n' Roll e da Soul Music. 

Veredito Final: Esta antologia é a porta de entrada ideal para qualquer entusiasta da música trazendo pontos Fortes em uma eleção impecável que equilibra nomes lendários com faixas historicamente significativas. O que esperar: Uma viagem que vai do som rústico das plantações de algodão até os palcos iluminados dos grandes festivais de rock. Aqui fica a deixa "ao ouvir o Volume 1, prepare-se para uma experiência histórica (áudio com chiado de época), já no Volume 2, a experiência é puramente energética e vibrante".

Boa audição - Namastê

Box Set: The Ladies Of Jazz - VA (3CDs)

Artista: VA

Álbum: The Ladies Of Jazz (03CD)

Lançamento: 1997

Selo: Bluenite/BN304

Gênero: Soul-Jazz, Bossa Nova, Big Band, Easy Listening, Swing, Bop

Astrud Gilberto (1940–2023) foi uma cantora brasileira reconhecida mundialmente como uma das principais vozes da bossa nova. Seu estilo suave, contido e intimista marcou profundamente a música internacional, especialmente a partir da década de 1960. Nascida como Astrud Evangelina Weinert, em 29 de março de 1940, na cidade de Salvador, Bahia, mudou-se ainda jovem para o Rio de Janeiro, onde teve contato direto com o movimento da bossa nova. Apesar de não ser cantora profissional no início, sua entrada na música ocorreu de forma inesperada, mas decisiva. Seu reconhecimento internacional aconteceu em 1963, durante a gravação do álbum “Getz/Gilberto”, ao lado de João Gilberto e do saxofonista norte-americano Stan Getz. Nesse projeto, Astrud interpretou, em inglês, a canção “The Girl from Ipanema”, que se tornaria um dos maiores sucessos da música mundial. Sua voz simples e natural foi fundamental para a aceitação da bossa nova pelo público estrangeiro. Diferente de cantoras tradicionais da época, Astrud adotava uma abordagem minimalista: sua interpretação evitava excessos emocionais e priorizava a leveza, a naturalidade e a precisão. Esse estilo acabou se tornando uma de suas maiores características, influenciando gerações de músicos e cantores. Após o sucesso internacional, desenvolveu uma carreira sólida, lançando diversos álbuns e se apresentando em vários países. Cantou em diferentes idiomas, incluindo inglês, português, espanhol e italiano, ampliando ainda mais seu alcance global. Ao longo de sua trajetória, Astrud colaborou com importantes nomes do jazz e da música popular, consolidando-se como uma artista de relevância internacional. Sua obra contribuiu significativamente para a difusão da música brasileira no exterior. Nos últimos anos de vida, viveu nos Estados Unidos e manteve-se mais reservada em relação à vida pública. Faleceu em 5 de junho de 2023. Seu legado permanece como um marco na história da música: uma artista que, com simplicidade e sutileza, transformou a forma de interpretar canções e levou a bossa nova a um reconhecimento mundial duradouro.

Boa audição - Namastê

Box Set: The Ladies Of Jazz - VA (3CDs)

Artista: VA

Álbum: The Ladies Of Jazz (02CD)

Lançamento: 1997

Selo: Bluenite/BN304

Gênero: Soul-Jazz, Bossa Nova, Big Band, Easy Listening, Swing, Bop

Lena Mary Calhoun Horne (30 de junho de 1917 – 09 de maio de 2010) foi cantora, atriz, ativista dos direitos civis e dançarina. Em 1933, Lena Horne se juntou ao coro do famoso ‘Cotton Club’, com a idade de dezesseis anos antes de ir para Hollywood, onde teve pequenos papéis em peças e vários filmes musicais. Devido às suas opiniões políticas de esquerda Horne foi posta na lista negra e incapaz de conseguir trabalho em Hollywood. Voltando às suas raízes, Lena Horne participou da ‘Marcha sobre Washington por Empregos e Liberdade’ ou ‘A Grande Marcha sobre Washington’, como ficou conhecida; um grande comício em prol dos direitos civis e econômicos para os afro-americanos que teve lugar em Washington, DC, em 1963, onde Martin Luther King fez seu histórico ‘I Have a Dream’ discurso defendendo a harmonia racial no Memorial Lincoln durante a marcha. E Lena continuou a trabalhar como artista, tanto em casas noturnas como na televisão, enquanto lançava álbuns bem-recebidos. Ela anunciou sua aposentadoria em 1980, mas no ano seguinte estrelou o show ‘Lena Horne: The Lady and Her Music’, com mais de 300 apresentações na Broadway e que lhe valeu inúmeros prêmios e elogios. Continuou gravando e se apresentando esporadicamente na década de 90, desaparecendo dos olhos do público em 2000.

Boa audição - Namastê

Box Set: The Ladies Of Jazz - VA (3CDs)

Artista: VA

Álbum: The Ladies Of Jazz (01CD)

Lançamento: 1997

Selo: Bluenite/BN304

Gênero: Soul-Jazz, Bossa Nova, Big Band, Easy Listening, Swing, Bop

Dinah Washington, pseudônimo de Ruth Lee Jones (Tuscaloosa, Alabama, EUA, 29 de agosto de 1924 – 14 de dezembro de 1963) foi cantora de jazz, blues e gospel. De família de baixa renda, mudou-se para Chicago aos quatro anos. Teve uma infância solitária, já que seu pai, um apreciador de cassinos, raramente estava em casa, e sua mãe passava os dias na rua atrás do dinheiro para sustentar Dinah, suas irmãs e pagar as freqüentes dívidas do marido. Sozinhas em casa, as meninas começaram a se refugiar na igreja, onde passavam as tardes. Dinah tocava piano, assim como sua mãe, e todas cantavam no coral. Antes da adolescência, Dinah tocava piano e cantava gospel por toda Chicago, até vencer um concurso de calouros cantando blues. O concurso lhe rendeu um convite para participar do conjunto vocal ‘Sarah Martin Singers’, pouco antes de completar doze anos. Aos quinze anos, diante das proibições de sua mãe, começou a fugir pela janela de seu quarto para cantar à noite em bares e clubes, onde também começou desenvolver seu gosto pela bebida. Apesar da pouca idade, sua fantástica voz e técnica fizeram com que o bandleader Lionel Hampton a contratasse imediatamente quando a viu cantar em 1943. Foi nessa época que mudou seu nome de Ruth Lee Jones (nomes comuns nos EUA) para o mais pomposo Dinah Washington. Passou três anos junto a banda de Hampton onde conquistou prestígio pleno, gravando, apresentando-se e vendendo muito até sua morte. Gravou diversos estilos de música, apenas não gostando de gravar gospel, pois não apreciava a mistura de assuntos espirituais com profanos. Apesar de seus discos lhe renderem bastante dinheiro, possuía um estilo de vida bastante dispendioso, comprando jóias e carros, além de querer dar para a filha uma infância de luxo, diferente da sua. Morreu aos 39 anos de idade após ingerir inibidores de apetite com bebida alcoólica.

Boa audição - Namastê

Box Set: The Ladies Of Jazz - VA (3CDs)

"Sou pedaços de músicas, fragmentos de textos, 

sou um pouco de um muito, sou apenas uma 

mistura de tudo"

Este box set de 1997, lançado sob o selo Bluenite (BN304), não é apenas uma compilação; é um inventário sonoro da sofisticação feminina no século XX. Composto por 3 CDs, o álbum atravessa o Jazz, a Bossa Nova e o Soul, servindo como uma aula magna sobre a arquitetura do ritmo e a síncope vocal. A voz como instrumento de ruptura é diferente de outras coletâneas da época, The Ladies Of Jazz organiza um diálogo geracional raro. O ouvinte é conduzido pela perfeição técnica de Ella Fitzgerald, passa pela intimidade minimalista de Astrud Gilberto e deságua na crueza política de Nina Simone. No Jazz sincopado, o deslocamento do acento rítmico é o que traz o "suingue", e aqui artistas como Dinah Washington mostram que a síncope não está apenas nos instrumentos, mas na respiração. Em faixas como "Mad About The Boy", Dinah atrasa propositalmente a entrada das frases, criando uma tensão melódica que é a essência do gênero. A curiosidades e o contexto histórico do  "Revival" dos Anos 90: tem inclusão de Dinah Washington como abre-alas do CD 1 não foi por acaso. Em 1992 um comercial da Levi’s (dirigido por Tarsem Singh) imortalizou "Mad About The Boy", fazendo com que a faixa voltasse às paradas europeias e se tornasse o cartão de visitas obrigatório para compilações de jazz daquela década. O selo Bluenite, conhecido por licenciamentos europeus de nicho, focava em edições que serviam como "portas de entrada" para novos colecionadores de CD que em 1997 vivia seu auge comercial antes da era digital. O contraste geográfico coloca o box uno ao "cool jazz" americano com a Bossa Nova brasileira ("The Girl From Ipanema"), evidenciando como o jazz se tornou uma linguagem universal de resistência e elegância.A finalização Crua traz encerramento com "Sea Line Woman" (Nina Simone) ao vivo no CD 3, uma escolha curatorial corajosa. Ela quebra a estética polida do estúdio para entregar o jazz em seu estado mais percussivo e ancestral. Guia para o amante do Jazz sincopado, para quem busca profundidade no Jazz, este box ensina que a música acontece no espaço entre as notas. A síncope é a arte de ocupar o silêncio com intenção. Ao ouvir estas damas, não procure a métrica rígida; procure o "atraso" elegante, o improviso que desafia o metrônomo e a capacidade de transformar uma melodia simples em uma narrativa complexa. O jazz sincopado é a liberdade de chegar no tempo certo, mesmo parecendo estar fora dele.

Boa audição - Namastê

Archie Shepp – The Way Ahead

Artista: Archie Shepp

Álbum: The Way Ahead

Lançamento: 1968/1969/1998

Selo: Impulse!/ABC Records

Gênero: Free Jazz, Post Bop

Este é o primeiro álbum do saxofonista Archie Shepp com um pianista, o que confere à sua música uma acessibilidade imediata que não existia antes. Isso talvez seja mais evidente na faixa funky "Frankenstein", composta pelo trombonista Grachan Moncour III, que forma uma linha de frente com três instrumentos de sopro, juntamente com Shepp e o trompetista Jimmy Owens. Não se trata apenas de Shepp usar um pianista; a seção rítmica é a mais profissional com a qual ele já havia trabalhado até então. O pianista Walter Davis Jr. tocou com Art Blakey, e o baixista Ron Carter acabara de sair da banda de Miles Davis. A bateria é dividida entre o baterista habitual de Shepp, Beaver Harris, e Roy Haynes, que já tocou com artistas como Charlie Parker, Sarah Vaughan e John Coltrane.

"The Way Ahead foi um ponto de virada para Archie Shepp. Para começar, ele havia procurado por toda parte no cenário do jazz/improvisação a combinação ideal de músicos — sem piano. Pode-se especular que isso se deva ao fato de ele ter começado sua carreira com o pianista Cecil Taylor, o que talvez tenha marcado qualquer um para sempre. Gravado em 1969, The Way Ahead contou com Ron Carter no baixo, Grachan Moncur III no trombone, Jimmy Owens no trompete e a bateria de Beaver Harris ou Roy Haynes, com Walter Davis Jr. no piano. O álbum é uma gloriosa fusão do antigo e do novo, com blues profundo, gospel e muito swing irreverente na mistura. Desde a abertura com o blues pós-bop "Damn If I Know (The Stroller)", o álbum segue a linha de Ellington-Webster e parte em busca do outro lado de Mingus. O solo de Shepp é frágil, entrecortado, estridente e glorioso, contrastando com uma série de mudanças graciosamente empregadas por Moncur e Owens. O ritmo gaguejante e frenético de Harris pode mantê-lo ancorado no blues, mas sustenta tudo o que possa acontecer. Da mesma forma, a pegada moderna da música, evidenciada em "Frankenstein" de Moncur (gravada originalmente com o grupo de Jackie McLean em 1963), aumenta um pouco a intensidade. A interpretação de Shepp é completamente diferente, acentuando os pontos de pedal e os microharmônicos nas pausas. Em "Sophisticated Lady" e "Fiesta", Haynes assume a bateria e imprime seu swing frenético nos arranjos, conferindo-lhes um toque de elegância que talvez não mereçam aqui, embora também aprofundem a emoção mais do que se esperaria. As duas últimas faixas do CD são gravações remanescentes de fevereiro de 1969, que substituem Davis por Dave Burrell e Carter por Walter Booker, e adicionam Charles Davis no saxofone barítono com Harris na bateria. No entanto, elas soam diferentes dessas gravações; há uma fúria e uma obscuridade nelas que tiram um pouco da alegria festiva do álbum original". - Resenha de Thom Jurek

Archie Shepp: Ten. Saxophone

Jimmy Owens: Trumpet

Grachan Moncur III: Trombone

Walter Davis Jr.: Piano (tracks 1–4)

Ron Carter: Baixo (tracks 1–4)

Roy Haynes: Bateria (tracks 3-4)

Beaver Harris: Bateria (tracks 1-2; 5-6)

Charles Davis: Baritone Saxophone (track 5-6)

Dave Burrell: Piano (tracks 5-6)

Walter Booker: Baixo (tracks 5-6)

Faixas 1–4 gravado no RCA Studio, Nova Iorque, em 29 de janeiro de 1968 

Faixas 5–6 gravado no National Recording Studios, Nova Iorque, em 26 de fevereiro de 1969 

Boa audição - Namastê

VA - Jazz Noire, Drink Up, Light Up! Tales Of Dope, Booze & Sleaze (2012)

Artista: VA

Álbum: Jazz Noire Vol: 02 (2xCD)

Lançamento: 2011

Selo: Fantastic Voyage/FVDD148

Gênero: Rhythm & Blues, Score, Swing, Big Band, Boogie Woogie, Jump Blues

 

Entrar no universo de "Drink Up - Light Up! (Jazz Noire Tales Of Dope, Booze & Sleaze)" é como atravessar a porta dos fundos de um speakeasy clandestino em 1947, onde a fumaça de tabaco é tão densa quanto o mistério de um crime não resolvido. Lançada pela curadoria impecável da Fantastic Voyage, esta antologia transcende a mera compilação de catálogo; ela funciona como um documento antropológico e cinematográfico das décadas de 1940 e 1950. O compilador Dave Penny executa uma tarefa magistral ao costurar 50 faixas que orbitam o "lado B" do sonho americano. O álbum não se contenta em apresentar apenas o Jazz e o R&B de auditório; ele mergulha no argot das ruas, trazendo à tona o Jump Blues febril, o Swing malicioso e o Jazz de vanguarda que serviam de trilha sonora para a marginalidade. O gênio da obra reside na sua estrutura narrativa: a inserção estratégica de diálogos e temas de filmes cult — como Reefer Madness, D.O.A. e o visceral The Man With The Golden Arm — transforma a audição em uma experiência de rádio-teatro noir. Musicalmente, o disco é um banquete de contrastes. Temos o humor anfetamínico e frenético de Harry "The Hipster" Gibson em "Who Put the Benzedrine in Mrs. Murphy's Ovaltine?", contrapondo-se à elegância esfumaçada de Sarah Vaughan e ao carisma magnético de Cab Calloway em seu hino canábico "Reefer Man". Há uma crueza deliciosa em ouvir Wynonie Harris e Nelson Alexander Trio celebrando a indulgência em tempos onde tais temas eram tabus rigorosamente vigiados pela censura. Profissionalmente, a produção merece aplausos pela restauração sonora, que preserva o chiado orgânico da era sem sacrificar a clareza dos metais e a profundidade dos contrabaixos. De forma lúdica, podemos dizer que este CD é um "coquetel perigoso": começa com a euforia do primeiro gole de gim, passa pela paranoia das substâncias ilícitas e termina no balanço melancólico de uma madrugada solitária em uma esquina de Los Angeles. "Drink Up - Light Up!" é, em última análise, um triunfo da curadoria musical. É cínico, sofisticado, sujo e irresistivelmente dançante. Uma peça essencial para quem entende que o Jazz, antes de chegar às academias, foi forjado no calor do vício, do suor e da rebeldia das sombras. Veredito: Uma obra-prima de cinco estrelas para ser ouvida no volume máximo, de preferência com uma dose de bourbon ao alcance da mão. Para além da sua aura mística de fumaça e neon, "Drink Up - Light Up!" revela-se, sob um olhar clínico, uma aula magna de transição fonográfica e crônica social proibida. O que o curador Dave Penny articula nesta antologia não é apenas uma sucessão de canções, mas uma autópsia sonora da metamorfose do Jazz das Big Bands para o R&B visceral e o Cool Jazz analítico, capturando o exato momento em que o virtuosismo técnico encontrou a urgência das ruas. Tecnicamente, a compilação é um triunfo da restauração. A preservação do punch percussivo original das gravações em 78 RPM mantém o calor analógico necessário, sem sacrificar a clareza dos metais "sujos" (dirty brass) — saxofones e trompetes que utilizam bends e growls para mimetizar a voz humana em estados de embriaguez ou êxtase. O piano, motor rítmico de figuras como Harry "The Hipster" Gibson e Julia Lee, abandona a polidez das salas de concerto para assumir uma função quase puramente percussiva, onde o Stride e o Boogie-Woogie ditam o nervosismo das substâncias celebradas nas letras. A arqueologia musical aqui presente é o que realmente eleva o álbum ao status de item de colecionador. O conjunto resgata "pérolas negras" que habitaram o limbo da censura e dos selos independentes (race records). Faixas como a frenética "Who Put the Benzedrine in Mrs. Murphy's Ovaltine?" — que custou a carreira de Gibson devido à sua alusão explícita a anfetaminas — e a raríssima "Weed", de Bea Foote, oferecem um realismo lírico que antecipa em décadas a crueza do rap moderno. O diálogo estabelecido com as trilhas cinematográficas, especialmente o tema de "The Man With The Golden Arm" (de Elmer Bernstein), amarra a experiência técnica: aqui, o Jazz deixa de ser entretenimento para se tornar a linguagem psicológica da agonia e do vício urbano. Em última análise, "Drink Up - Light Up!" é um registro essencial da "música maldita". É o som de uma era onde o contrabaixo acústico já galopava no walking bass que daria luz ao Rock 'n' Roll, e onde artistas como Tiny Grimes e Clarence Williams usavam o improviso como fuga e reflexo de uma sociedade em transe. Uma obra tecnicamente impecável e historicamente subversiva.

Boa audição - Namastê

VA – Jazz Noire (Darktown Sleaze From The Mean Streets Of 1940s L.A.) 2xCD.

Artista: VA

Álbum: Jazz Noire Vol: 01 (2xCD)

Lançamento: 2011

Selo: Fantastic Voyage/FVDD148

Gênero: Rhythm & Blues, Score, Swing, Big Band, Boogie Woogie, Jump Blues

A Fantastic Voyage criou uma coleção abrangente, bem selecionada e obviamente bem fundamentada de jazz e R&B (no sentido antigo) do final dos anos 40, do tipo que você esperaria ouvir em cenas de boates em filmes noir. Apropriadamente, ambos os discos são emoldurados pela música tema de clássicos do gênero. Algumas das seleções são muito familiares – a gravação original de Round Midnight, de Monk – enquanto outras são extraídas de fontes mais profundas, como a primorosa Solitude, de Leo Parker. O ponto principal é: todas são excelentes representações de seus respectivos gêneros. Depois disso, é uma questão de gosto pessoal. Prefiro Billie Holiday em um estilo mais animado, mas muita gente adora as faixas deste álbum, que eu acho um pouco autopiedosas demais, e essa diferença de opinião não importa quando se trata de avaliar esta excelente coletânea. Fantastic Voyage dá sequência ao enorme sucesso de Jazz Noire, de 2011, permitindo que a mesma equipe retorne àqueles bares e antros sórdidos, desta vez focando nas drogas, na bebida e nos personagens duvidosos para fornecer um retrato vívido da vida boêmia e desregrada entre as décadas de 1930 e 1950. A música em Drink Up Light Up! evoca aquela época em que as orquestras se expandiam, as seções de metais explodiam como fogos de artifício e o blues escorria das teclas do piano para os pisos de bares manchados de álcool e lágrimas, com um elenco impressionante que incluía nomes como o Reefer Man e a Snuff Dippin Mama, mas os temas são tão relevantes para o clima atual de recessão: o desejo de escapar através das drogas (e as repercussões frequentemente desfavoráveis ​​nos relacionamentos). A música de Drink Up - Light Up! evoca aquela época em que as orquestras se expandiam, as seções de metais explodiam como fogos de artifício e o blues escorria das teclas do piano para os pisos de bares manchados de bebida e lágrimas, com um elenco impressionante que incluía nomes como Reefer Man e Snuff Dippin' Mama, mas os temas são igualmente relevantes para o clima atual de recessão: o desejo de escapar através das drogas (e as repercussões frequentemente desfavoráveis ​​nos relacionamentos). Seja Sam Price comandando 'Lead Me Daddy, Straight to the Bar', Buddy Banks confessando 'I Need It Bad (Groove Juice)' ou o Four Clefs filosofando em 'When I'm Low I Get High', a seleção abrange todo o espectro da farra movida a substâncias, com seus prós e contras. Surgindo da época da Lei Seca e da Grande Depressão, a coletânea também oferece um vislumbre fascinante da vida nas ruas durante esse período, até a Guerra da Coreia, desde situações domésticas até gírias relacionadas a drogas, além de proporcionar uma experiência auditiva sublime e evocativa. (Amazon)

Que conjunto magnífico de jazz! Há também algumas faixas que não ouvia há muito, muito tempo, e é bom ter a memória refrescada. Se você gosta de jazz, se você gosta de trilhas sonoras de filmes, este é o álbum perfeito. Uma coletânea fantástica de joias dos anos 40, lindamente produzida, ideal para ouvir tarde da noite. Menção especial também para a embalagem e o livreto, que incluem belíssimas ilustrações e gráficos da época. 

Boa audição - Namastê

 

The Columbia Jazz Piano Moods Sessions (1949-1952) (7CD)

 

Artista: VA

Álbum: Piano Moods Sessions (CDs 7/) Scans

Lançamento:  2000

Selo: Mosaic Records/MD7-199 

Gênero: Big Band, Boogie-Woogie, Bop, Cool, Dixieland, Early Jazz, Hard Bop, Jazz Blues, Jazz-Pop, Mood Music, New Orleans Jazz, Standards, Stride, Swing

🎹 Art Tatum (1909–1956)

Considerado por muitos — incluindo músicos clássicos como Vladimir Horowitz — como o maior pianista de jazz de todos os tempos. Tatum possuía uma técnica quase sobre-humana e uma compreensão harmônica décadas à frente de seu tempo.

Estilo: Suas improvisações eram famosas pelas coridas rápidas, arpejos complexos e rearmonizações constantes de padrões populares.

Legado: Embora fosse quase totalmente cego, sua habilidade era tão intimidadora que, ao entrar em um clube onde Fats Waller tocava, Waller anunciou: "Eu toco piano, mas Deus está na casa hoje à noite".

🎹 Max Miller (1911–1985)

Uma figura influente na cena de jazz de Chicago, Miller era um multi-instrumentista (piano e vibrafone) e compositor conhecido por sua abordagem experimental e técnica refinada.

Versatilidade: Além do piano, Miller destacou-se no vibrafone, frequentemente alternando entre os instrumentos em suas apresentações.

Carreira: Liderou grupos que exploravam sonoridades mais modernas e sofisticadas para a época, mantendo uma presença sólida em rádios e clubes de prestígio, sempre prezando por arranjos precisos e uma estética elegante.

Baixo – Al Ham (faixas: 5-14 a 5-22), Al McKibbon (faixas: 2-1 a 2-8,5-10 a 5-13), Arvell Shaw (faixas: 5-1 a 5-9), Bill Holyoke (faixas: 7-1 a 7-8), Bob Casey (faixas: 3-11 a 4-4), Bob Haggart (faixas: 4-17 a 4-24, 6-9 a 6-16) ,Eddie Calhoun (faixas: 1-9 a 1-16), Frank Carroll (faixas: 6-1 a 6-8 ), Jack Lesberg (faixas: 3-1 a 3-10), John Simmons (faixas: 1-1 a 1-8), Morty Corb (faixas: 4-9 a 4-16)), Sid Weiss (faixas: 2-9 a 2-16 ), Walter Page (faixas: 4-5 a 4-8)Bateria – Bunny Shawker (faixas: 4-17 a 4-24, 6-9 a 6-16), Buzzy Drootin (faixas:3-11 a 3-18), George Wettling (faixas:3-1 a 3-10, 4-1 a 4-8 ), JC Heard (faixas: 2-1 a 2-8, 5-1 a 5-9), Kansas Fields (faixas: 5-10 a 5-13 ), Morey Feld (faixas: 2-9 a 2-16), Nick Fatool (faixas: 4-9 a 4-16 ), Remo Belli (faixas: 7-1 a 7-8), Shadow Wilson (faixas: 1-1 a 1-8), Terry Snyder (faixas: 5-14 a 6-8) Guitarra – Al Casamenti (faixas: 6-9 a 6-12), Danny Perri (faixas: 4-17 a 4-24), Earl Backus (faixas: 7-1 a 7-8), George Van Eps (faixas: 4-9 a 4-16), Ray Crawford (faixas: 1-9 a 1-16), Tony Mottola (faixas: 6-13 a 6-16) Piano – Ahmad Jamal (faixas: 1-9 a 1-16), Art Tatum (faixas: 7-9 a 7-17), Bill Clifton (faixas: 5-14 a 5-22), Buddy Weed (faixas: 4-17 a 4-24), Earl Hines (faixas: 2-1 a 2-8), Eddie Heywood (faixas: 6-1 a 6-8), Erroll Garner (faixas: 1-1 a 1-8), Jess Stacy (faixas: 4-9 a 4-16), Joe Bushkin (faixas: 2-9 a 2-16), Joe Sullivan (faixas: 4-1 a 4-8), Max Miller (faixas: 7-1 a 7-8), Ralph Sutton (faixas: 3-1 até 3-18), Stan Freeman (faixas: 6-9 a 6-16), Teddy Wilson (faixas: 5-1 a 5-13), Shaker – Artista Desconhecido (faixas: 1-11)

Boa audição - Namastê

The Columbia Jazz Piano Moods Sessions (1949-1952) (7CD)

Artista: VA

Álbum: Piano Moods Sessions (CDs 5/6)

Lançamento: 2000

Selo: Mosaic Records/MD7-199 

Gênero: Big Band, Boogie-Woogie, Bop, Cool, Dixieland, Early Jazz, Hard Bop, Jazz Blues, Jazz-Pop, Mood Music, New Orleans Jazz, Standards, Stride, Swing

🎹 Teddy Wilson (1912–1986)

Conhecido como o "Marxista do Teclado" (pela sua precisão, não política), Wilson foi um dos pianistas mais influentes da era do swing. Seu estilo era definido pela elegância, clareza melódica e um toque leve e polido.

Marco Histórico: Ele quebrou barreiras raciais ao se juntar ao Benny Goodman Trio em 1935, tornando-se um dos primeiros músicos negros a se apresentar publicamente em um grupo integrado de grande destaque. 

Colaborações: Foi o acompanhante preferido de Billie Holiday em muitas de suas gravações mais icônicas dos anos 30.

🎹 Bill Clifton (1916–1967)

Frequentemente lembrado por sua técnica sofisticada e versátil, Clifton foi um pianista que transitou com maestria entre o jazz e o entretenimento comercial.

Carreira: Ganhou notoriedade em Nova York durante as décadas de 40 e 50, trabalhando tanto em estúdios de rádio quanto em casas noturnas de prestígio.

Estilo: Seu toque era caracterizado por uma sonoridade limpa e arranjos precisos, sendo muito requisitado para gravações que exigiam um pianismo de alta classe.

🎹 Eddie Heywood (1915–1989)

Heywood foi um pianista e líder de banda que alcançou grande sucesso popular com seu estilo que misturava jazz tradicional com uma sensibilidade pop.

Sucesso Comercial: Sua interpretação de "Begin the Beguine" em 1944 tornou-se um hit nacional nos Estados Unidos, vendendo milhões de cópias.

Estilo: Tinha um toque rítmico muito particular e econômico, focando em melodias acessíveis e arranjos extremamente elegantes para seu sexteto.

🎹 Stan Freeman (1920–2001)

Um músico de formação clássica que se tornou um pianista de jazz e compositor de teatro musical muito respeitado. Freeman era conhecido por sua técnica técnica formidável e capacidade de improvisação.

Versatilidade: Além do jazz, ele teve uma carreira brilhante na Broadway e na televisão, trabalhando como arranjador e maestro.

Curiosidade: Gravou álbuns que exploravam a fusão de estilos, demonstrando um virtuosismo que unia a precisão da música erudita ao balanço do swing.

Baixo – Al Ham (faixas: 5-14 a 5-22), Al McKibbon (faixas: 2-1 a 2-8,5-10 a 5-13), Arvell Shaw (faixas: 5-1 a 5-9), Bill Holyoke (faixas: 7-1 a 7-8), Bob Casey (faixas: 3-11 a 4-4), Bob Haggart (faixas: 4-17 a 4-24, 6-9 a 6-16) ,Eddie Calhoun (faixas: 1-9 a 1-16), Frank Carroll (faixas: 6-1 a 6-8 ), Jack Lesberg (faixas: 3-1 a 3-10), John Simmons (faixas: 1-1 a 1-8), Morty Corb (faixas: 4-9 a 4-16)), Sid Weiss (faixas: 2-9 a 2-16 ), Walter Page (faixas: 4-5 a 4-8)

Bateria – Bunny Shawker (faixas: 4-17 a 4-24, 6-9 a 6-16), Buzzy Drootin (faixas:3-11 a 3-18), George Wettling (faixas:3-1 a 3-10, 4-1 a 4-8 ), JC Heard (faixas: 2-1 a 2-8, 5-1 a 5-9), Kansas Fields (faixas: 5-10 a 5-13 ), Morey Feld (faixas: 2-9 a 2-16), Nick Fatool (faixas: 4-9 a 4-16 ), Remo Belli (faixas: 7-1 a 7-8), Shadow Wilson (faixas: 1-1 a 1-8), Terry Snyder (faixas: 5-14 a 6-8)

Guitarra – Al Casamenti (faixas: 6-9 a 6-12), Danny Perri (faixas: 4-17 a 4-24), Earl Backus (faixas: 7-1 a 7-8), George Van Eps (faixas: 4-9 a 4-16), Ray Crawford (faixas: 1-9 a 1-16), Tony Mottola (faixas: 6-13 a 6-16)

Piano – Ahmad Jamal (faixas: 1-9 a 1-16), Art Tatum (faixas: 7-9 a 7-17), Bill Clifton (faixas: 5-14 a 5-22), Buddy Weed (faixas: 4-17 a 4-24), Earl Hines (faixas: 2-1 a 2-8), Eddie Heywood (faixas: 6-1 a 6-8), Erroll Garner (faixas: 1-1 a 1-8), Jess Stacy (faixas: 4-9 a 4-16), Joe Bushkin (faixas: 2-9 a 2-16), Joe Sullivan (faixas: 4-1 a 4-8), Max Miller (faixas: 7-1 a 7-8), Ralph Sutton (faixas: 3-1 até 3-18), Stan Freeman (faixas: 6-9 a 6-16), Teddy Wilson (faixas: 5-1 a 5-13)

Shaker – Artista Desconhecido (faixas: 1-11)

Boa audição - Namastê

The Columbia Jazz Piano Moods Sessions (1949-1952) (7CD)

Artista: VA

Álbum: Piano Moods Sessions (CDs 3/4)

Lançamento: 2000

Selo: Mosaic Records/MD7-199 

Gênero: Big Band, Boogie-Woogie, Bop, Cool, Dixieland, Early Jazz, Hard Bop, Jazz Blues, Jazz-Pop, Mood Music, New Orleans Jazz, Standards, Stride, Swing

🎹 Ralph Sutton (1922–2001)

Um dos maiores herdeiros do estilo Stride de piano (caracterizado pelo movimento saltitante da mão esquerda). Sutton era conhecido por sua técnica impecável e por uma alegria contagiante ao tocar. Ele foi um dos pilares do jazz tradicional no pós-guerra, mantendo viva a chama de nomes como Fats Waller.

Estilo: Poderoso, rítmico e extremamente fiel às raízes do jazz de Nova Orleans e do Harlem. Foi membro fundador do grupo The World's Greatest Jazz Band.

🎹 Joe Sullivan (1906–1971)

Uma figura central na cena de jazz de Chicago dos anos 20 e 30. Sullivan tinha um estilo que misturava a técnica clássica com um blues profundo e robusto. Ele foi o pianista original da famosa banda de Bob Crosby e trabalhou com lendas como Louis Armstrong e Benny Goodman.

Marco: Compôs o padrão de jazz "Little Rock Getaway", que se tornou sua marca registrada e um teste de habilidade para muitos pianistas da época.

🎹 Buddy Weed (1918–1997)

Embora menos mencionado em livros de história do que os dois anteriores, Weed foi um músico e arranjador de mão cheia. Ele ganhou destaque na era das Big Bands, tocando com Paul Whiteman. Weed tinha uma abordagem mais moderna e sofisticada, muitas vezes flertando com o pop da época e o jazz de câmara.

Curiosidade: Além de pianista, ele teve uma carreira sólida na rádio e na televisão nos Estados Unidos, liderando trios e orquestras que se destacavam pela elegância melódica.

Baixo – Al Ham (faixas: 5-14 a 5-22), Al McKibbon (faixas: 2-1 a 2-8,5-10 a 5-13), Arvell Shaw (faixas: 5-1 a 5-9), Bill Holyoke (faixas: 7-1 a 7-8), Bob Casey (faixas: 3-11 a 4-4), Bob Haggart (faixas: 4-17 a 4-24, 6-9 a 6-16) ,Eddie Calhoun (faixas: 1-9 a 1-16), Frank Carroll (faixas: 6-1 a 6-8 ), Jack Lesberg (faixas: 3-1 a 3-10), John Simmons (faixas: 1-1 a 1-8), Morty Corb (faixas: 4-9 a 4-16)), Sid Weiss (faixas: 2-9 a 2-16 ), Walter Page (faixas: 4-5 a 4-8)

Bateria – Bunny Shawker (faixas: 4-17 a 4-24, 6-9 a 6-16), Buzzy Drootin (faixas:3-11 a 3-18), George Wettling (faixas:3-1 a 3-10, 4-1 a 4-8 ), JC Heard (faixas: 2-1 a 2-8, 5-1 a 5-9), Kansas Fields (faixas: 5-10 a 5-13 ), Morey Feld (faixas: 2-9 a 2-16), Nick Fatool (faixas: 4-9 a 4-16 ), Remo Belli (faixas: 7-1 a 7-8), Shadow Wilson (faixas: 1-1 a 1-8), Terry Snyder (faixas: 5-14 a 6-8)

Guitarra – Al Casamenti (faixas: 6-9 a 6-12), Danny Perri (faixas: 4-17 a 4-24), Earl Backus (faixas: 7-1 a 7-8), George Van Eps (faixas: 4-9 a 4-16), Ray Crawford (faixas: 1-9 a 1-16), Tony Mottola (faixas: 6-13 a 6-16)

Piano – Ahmad Jamal (faixas: 1-9 a 1-16), Art Tatum (faixas: 7-9 a 7-17), Bill Clifton (faixas: 5-14 a 5-22), Buddy Weed (faixas: 4-17 a 4-24), Earl Hines (faixas: 2-1 a 2-8), Eddie Heywood (faixas: 6-1 a 6-8), Erroll Garner (faixas: 1-1 a 1-8), Jess Stacy (faixas: 4-9 a 4-16), Joe Bushkin (faixas: 2-9 a 2-16), Joe Sullivan (faixas: 4-1 a 4-8), Max Miller (faixas: 7-1 a 7-8), Ralph Sutton (faixas: 3-1 até 3-18), Stan Freeman (faixas: 6-9 a 6-16), Teddy Wilson (faixas: 5-1 a 5-13)

Shaker – Artista Desconhecido (faixas: 1-11)

Boa audição - Namastê

 

Boxset: The Columbia Jazz Piano Moods Sessions (1949-1952) (7CD)

Artista: VA

Álbum: Piano Moods Sessions (CDs 1/2)

Lançamento: 2000

Selo: Mosaic Records/MD7-199 

Gênero: Big Band, Boogie-Woogie, Bop, Cool, Dixieland, Early Jazz, Hard Bop, Jazz Blues, Jazz-Pop, Mood Music, New Orleans Jazz, Standards, Stride, Swing

🎹 Erroll Garner (1921–1977)

Conhecido como "o homem com 40 dedos", Garner era um virtuoso autodidata que nunca aprendeu a ler partituras. Sua técnica era marcada por um acompanhamento de mão esquerda que lembrava uma guitarra de "strumming", enquanto sua mão direita tocava melodias levemente atrasadas em relação ao tempo (o famoso atraso rítmico), criando um swing irresistível.

Marco: Compôs o clássico "Misty" e gravou o álbum Concert by the Sea (1955), um dos discos de jazz mais vendidos da história.

🎹 Ahmad Jamal (1930–2023)

Um mestre do minimalismo e do uso do silêncio. Jamal revolucionou o conceito de trio de jazz, focando no espaço e na dinâmica em vez de notas rápidas incessantes. Sua influência foi tão profunda que Miles Davis frequentemente o citava como sua maior inspiração para o uso de espaço na música.

Estilo: Sofisticado, orquestral e com um senso de ritmo que transformava canções populares em obras de arte modernas. Sua versão de "Poinciana" é definitiva.

🎹 Earl "Fatha" Hines (1903–1983)

Considerado o pai do piano jazz moderno. Hines desenvolveu o chamado "estilo de trompete", onde tocava oitavas na mão direita com grande força para que o piano pudesse ser ouvido acima das big bands da época. Ele foi a ponte entre o ragtime antigo e o bebop que viria depois.

Colaboração: Trabalhou intensamente com Louis Armstrong nas gravações dos anos 20, mudando para sempre o papel do piano de um instrumento puramente rítmico para um instrumento solista.

🎹 Joe Bushkin (1916–2004)

Um pianista extremamente versátil que transitava entre o jazz e o mundo do entretenimento popular. Bushkin começou na era do swing, tocando com feras como Benny Goodman e Bunny Berigan. Ele era conhecido por seu toque elegante e por ser um excelente acompanhante de cantores, como Frank Sinatra.

Curiosidade: Além de pianista, era um compositor de talento, sendo o autor da famosa canção "Oh! Look at Me Now", que ajudou a impulsionar a carreira de Sinatra.

Considerado o pai do piano jazz moderno. Hines desenvolveu o chamado "estilo de trompete", onde tocava oitavas na mão direita com grande força para que o piano pudesse ser ouvido acima das big bands da época. Ele foi a ponte entre o ragtime antigo e o bebop que viria depois.

Baixo – Al Ham (faixas: 5-14 a 5-22), Al McKibbon (faixas: 2-1 a 2-8,5-10 a 5-13), Arvell Shaw (faixas: 5-1 a 5-9), Bill Holyoke (faixas: 7-1 a 7-8), Bob Casey (faixas: 3-11 a 4-4), Bob Haggart (faixas: 4-17 a 4-24, 6-9 a 6-16) ,Eddie Calhoun (faixas: 1-9 a 1-16), Frank Carroll (faixas: 6-1 a 6-8 ), Jack Lesberg (faixas: 3-1 a 3-10), John Simmons (faixas: 1-1 a 1-8), Morty Corb (faixas: 4-9 a 4-16)), Sid Weiss (faixas: 2-9 a 2-16 ), Walter Page (faixas: 4-5 a 4-8)

Bateria – Bunny Shawker (faixas: 4-17 a 4-24, 6-9 a 6-16), Buzzy Drootin (faixas:3-11 a 3-18), George Wettling (faixas:3-1 a 3-10, 4-1 a 4-8 ), JC Heard (faixas: 2-1 a 2-8, 5-1 a 5-9), Kansas Fields (faixas: 5-10 a 5-13 ), Morey Feld (faixas: 2-9 a 2-16), Nick Fatool (faixas: 4-9 a 4-16 ), Remo Belli (faixas: 7-1 a 7-8), Shadow Wilson (faixas: 1-1 a 1-8), Terry Snyder (faixas: 5-14 a 6-8)

Guitarra – Al Casamenti (faixas: 6-9 a 6-12), Danny Perri (faixas: 4-17 a 4-24), Earl Backus (faixas: 7-1 a 7-8), George Van Eps (faixas: 4-9 a 4-16), Ray Crawford (faixas: 1-9 a 1-16), Tony Mottola (faixas: 6-13 a 6-16)

Piano – Ahmad Jamal (faixas: 1-9 a 1-16), Art Tatum (faixas: 7-9 a 7-17), Bill Clifton (faixas: 5-14 a 5-22), Buddy Weed (faixas: 4-17 a 4-24), Earl Hines (faixas: 2-1 a 2-8), Eddie Heywood (faixas: 6-1 a 6-8), Erroll Garner (faixas: 1-1 a 1-8), Jess Stacy (faixas: 4-9 a 4-16), Joe Bushkin (faixas: 2-9 a 2-16), Joe Sullivan (faixas: 4-1 a 4-8), Max Miller (faixas: 7-1 a 7-8), Ralph Sutton (faixas: 3-1 até 3-18), Stan Freeman (faixas: 6-9 a 6-16), Teddy Wilson (faixas: 5-1 a 5-13)

Shaker – Artista Desconhecido (faixas: 1-11)

Boa audição - Namastê

Boxset: The Columbia Jazz Piano Moods Sessions (1949-1952) (7CD)

Esta coleção de sete CDs documenta exaustivamente a primeira tentativa da Columbia Records de criar um nicho de mercado com a série Piano Moods. Nascida de um plano de marketing improvisado por uma pequena equipe da Columbia Records em 1950, a série Piano Moods surgiu da constatação de que havia mais pianos do que fonógrafos (para quem não se lembra dos discos de vinil) nas casas da América do pós-guerra. O LP de 12 polegadas havia sido lançado apenas dois anos antes e havia poucos títulos disponíveis. A série Piano Moods reunia 20 álbuns do mesmo estilo, todos produzidos e sequenciados por George Avakian, que havia criado o catálogo de jazz e pop em LP para a Columbia a partir de 1948 — embora originalmente fossem lançados em discos de 10 polegadas e 33 rpm para facilitar o armazenamento para quem tinha tantos discos de 10 polegadas e 78 rpm. Os lados eram gravados — geralmente — sem espirais (espaços) entre as músicas, dando a cada lado uma sensação de maior duração do que seus 17 minutos, pois a música era contínua. A maioria dos pianistas pré-definia suas sequências e preparava introduções na tonalidade da música anterior, que modulava para a tonalidade da próxima. Alguns gravavam as modulações posteriormente e pediam para Avakian fazer a emenda ou, no caso de Teddy Wilson , ele tocava a música inteira e, se achasse que havia errado em algum ponto, regravava a música e pedia para Avakian fazer a mágica com a fita. A série foi um enorme sucesso. Um conjunto completo, e a maioria das casas tinha pelo menos alguns desses discos, e algumas tinham muitos ou todos. O interessante aqui é que muitos desses pianistas tinham pouco ou nada em comum entre si. Eles variavam de jazzistas como Wilson, Art Tatum , Errol Garner e Ahmad Jamal (cujo álbum foi lançado como um LP de 12 polegadas) a músicos de stride como Ralph Sutton e Joe Sullivan — que interpreta Fats Waller aqui — a swingistas como Earl "Fatha" Hines, Joe Bushkin (famoso por sua participação com Tommy Dorsey) e Jess Stacy . Há também alguns jazzistas desconhecidos, como Buddy Weed , Max Miller , Eddie Heywood e Bill Clifton . Incluído ainda está o homem que podia — e tocava — de tudo, o virtuoso de concerto Stan Freeman .  Os sete CDs deste conjunto estão divididos de forma um tanto arbitrária e, em seguida, recebem seus números de catálogo na parte de trás do conjunto. O primeiro disco reúne Garner (com suas versões originais de "Long Ago and Far Away" e "It Could Happen to You") com Jamal (com "The Surrey With the Fringe on Top" e "Perfida" entre suas gravações) e, portanto, os lados com Hines e Bushkin não se sustentam tão bem, mas não porque o material seja de má qualidade — muito pelo contrário. É que o primeiro disco cria uma atmosfera tão sólida que é impossível comparar o swing vibrante de Hines e o swing característico de Bushkin, típico dos anos 30, com o jazz moderno de 1950. Os discos três e quatro se saem melhor, com Sutton de um lado arrasando no repertório de Waller — verdadeiros clássicos do mestre, tocados como só um discípulo experiente consegue, de "Ain't Misbehavin'" a "Muskrat Ramble", passando por "Blue Turning Grey Over You" e "Take It From Me". Sullivan mantém o clima stride, e então passamos para o material mais popular e com temática bebop, com Stacy e Weed, ambos verdadeiros monstros da técnica — especialmente Weed, cujas mãos dominavam o lado esquerdo do teclado enquanto a direita executava nonas alongadas e até décimas segundas para acompanhar. No quinto disco, há uma simetria magnífica entre o pianismo de Wilson e o de Clifton. Primeiramente, temos a noção pura de "Voo" de Wilson. Seus padrões rítmicos criam as possibilidades harmônicas para passagens dentro dos acordes e mudanças de tonalidade que enriquecem ainda mais a armadura de clave e o acorde dominante. O fato de ele improvisar tanto com a mão esquerda quanto com a direita é outro de seus dons. Muitos que o conheciam afirmavam que nem ele mesmo percebia isso até o momento de inspiração. Muitas das canções emblemáticas de Wilson estão aqui: "Honeysuckle Rose", "Just One of Those Things", "(I Don't Stand) A Ghost of a Chance With You" e "Between the Devil and the Deep Blue Sea". Seja balada, swing vibrante ou blues cintilante, Wilson se destacou em todas as ocasiões aqui — e também há as gravações alternativas que ele rejeitou (prova de que não há diferença de qualidade, exceto na percepção do pianista). Clifton, por outro lado, é um pianista com forte presença no registro médio, utilizando as mesmas estruturas harmônicas graves e amplas em suas composições — se não os mesmos acordes e o mesmo método para chegar a eles que Wilson. A diferença está na abordagem. Wilson atacava o teclado, ainda que graciosamente, enquanto Clifton prefere brincar com ele e seduzir seus segredos. Sua versão de "Let's Fall in Love" teria se encaixado melhor com os jazzistas da Costa Oeste do que em Nova York, mas é uma interpretação deslumbrante com um toque de contraponto a duas mãos à la Brubeck na ponte. Quanto ao sexto disco, não há dúvida de que Heywood e Freeman eram músicos talentosos; suas abordagens tecnicamente refinadas criam obras-primas cristalinas em seus repertórios escolhidos, mas são excessivamente limpas — quase estéreis devido à sua proeza técnica. Finalmente, no último disco, os ouvintes se deparam com as harmonias bombásticas e brutais de Miller, que tocava guitarra e vibrafone antes de se tornar pianista. Resumindo: o cara massacra tudo o que toca, com uma completa falta de sutileza. O equilíbrio, no entanto, é garantido pela segunda metade do disco, que encerra a obra com o sublime pianismo de Tatum, gravado ao vivo em um concerto no Shrine Auditorium em Los Angeles, em 1949, e apresenta — além de joias conhecidas como "Willow Weep for Me", "Someone to Watch Over Me" e "How High the Moon" — duas das maiores performances de piano já gravadas: "I Know That You Know" e a Humoresque de Dvorak. A origem da inspiração de Tatum é desconhecida; O limite da improvisação de Avakian era o que ele explorava. Ele conseguia expandir o equilíbrio de qualquer configuração harmônica e, em seguida, envolvê-la em outra sem errar uma nota. No total, sete CDs é muita coisa para obras praticamente dedicadas ao piano solo, gravadas com um tema de marketing em mente. Mas há mais performances excelentes do que medíocres, e apenas uma ruim do começo ao fim — e mesmo essa é compensada por puro gênio. O pior que se pode dizer sobre o Complete Jazz Piano Mood Sessions é que há material demais — até mesmo para os fãs da gravadora Mosaic. O melhor que se pode dizer é que, primeiro, o som é fenomenal (assim como as notas do próprio Avakian) e, segundo, há material demais. De qualquer forma, é um negócio em que todos saem ganhando. Fonte: allmusic.com

 Boa audição - Namastê