Boxset: La Grande Histoire Du Jazz, do Ragtime ao Swing 1898-1952 (25CDs)

Artista: La Grande Histoire Du Jazz

Álbum: do Ragtime ao Swing 1898-1952 CD20

Lançamento: 2009

Selo: Le Chant du Monde 

Gênero: Swing, Ragtime, Big Band, Early Jazz, New Orleans Jazz, Dixieland, Harlem Stride Piano, Gipsy Jazz (Jazz Manouche), Negro Spirituals/Gospel.

O epílogo transcendente: O Jazz como patrimônio da humanidade no vigésimo volume da coleção "La Grande Histoire du Jazz" não é apenas o encerramento físico de uma caixa monumental; é o testemunho da perenidade. Se o CD 19 foi o exercício de reconciliação com a tradição, o CD 20 funciona como uma declaração de princípios: o jazz, como forma de arte, transcendeu o seu tempo e lugar de nascimento para se tornar um patrimônio universal. Este volume encapsula a elegância da maturidade, onde o músico já não luta contra a história, mas a habita, fluindo com naturalidade entre o ancestral e o contemporâneo. O pano de fundo deste encerramento é a estabilidade da mestria. A estética é a da clareza e da economia absoluta. Aqui, não há mais a necessidade de provar que a música é "moderna" ou "revolucionária"; a música simplesmente é. O contraste estético é a resolução das tensões que acompanharam os 19 volumes anteriores: a urgência dá lugar à fluidez, o choque dá lugar à sabedoria. Culturalmente, o jazz aqui atinge o status de música clássica do século XX, despojado das exigências do mercado e consagrado como uma forma de expressão essencial. A técnica, neste volume final, atinge um grau de transparência e eficiência na "fluidez" do discurso da improvisação, anteriormente um ato de bravura ou uma exploração abstrata, torna-se aqui um ato de narrativa pura. As frases musicais são construídas com uma lógica interna tão robusta que parecem ter sido compostas no momento, sem o esforço da busca. A integração de texturas do uso magistral de timbres que, ao longo dos volumes, foram se acumulando: o brilho dos metais, a profundidade do contrabaixo acústico, a textura percussiva do piano. Tudo é integrado de forma orgânica, como se o grupo fosse uma única mente operando múltiplos instrumentos. O "tempo" como amigom diferente da velocidade frenética do Bebop ou da angústia da abstração total, aqui o músico domina o tempo. Ele pode "atrasar" a entrada, sustentar uma nota até o limite da exaustão ou acelerar sem perder a precisão, tratando o pulso rítmico como um parceiro de dança e não como um carcereiro. A síntese final neste volume é que percebemos a síntese de todas as eras: o Blues está presente na inflexão das notas, o Swing na cadência, o Bebop na agilidade harmônica, e o Cool no controle emocional. O registro do "fechamento" funciona como uma câmara de eco da coleção. Ao ouvi-lo, o ouvinte experiente consegue identificar referências sutis a quase todos os solistas que passaram pelos volumes anteriores, tornando o disco uma espécie de "reunião espectral" de todos os mestres documentados. A engenharia do silêncio na qualidade da gravação neste volume final é um contraste poético com as faixas de 1898. O silêncio — o espaço entre as notas — é captado com uma pureza que permite ao ouvinte sentir o "ar" da sala, trazendo uma intimidade que encerra a série com um convite à reflexão profunda. O Legado das "escolas": É interessante observar como, nesta fase final, as barreiras geográficas — a velha Nova York contra a Costa Oeste — finalmente desaparecem. O que resta é uma "Escola do Jazz" universal, um vocabulário que músicos de qualquer parte do mundo podem utilizar para expressar sua própria verdade. O CD20 é o volume da consagração. Documentalmente, ele é a prova definitiva de que o Jazz não "terminou" com o fim do recorte histórico de 1952, mas que ele alcançou, naquele momento, um patamar de perfeição que permite à música ser ouvida em qualquer tempo futuro. Para o ouvinte, este volume é a conclusão ideal: ele oferece a paz do conhecimento de que tudo o que foi ouvido era necessário, e que o Jazz, ao se tornar um monumento à criatividade humana, cumpriu seu destino de ser a trilha sonora da liberdade. Se este volume encerra nossa jornada pelo tempo, como descrever, em uma última reflexão, a "alma" do Jazz — aquela centelha que o manteve vivo através de tantos anos de mudança e que, esperamos, continuará a brilhar em qualquer música que ainda esteja por vir?

Boa audição - Namastê

Boxset: La Grande Histoire Du Jazz, do Ragtime ao Swing 1898-1952 (25CDs)

Artista: La Grande Histoire Du Jazz

Álbum: do Ragtime ao Swing 1898-1952 CD17

Lançamento: 2009

Selo: Le Chant du Monde 

Gênero: Swing, Ragtime, Big Band, Early Jazz, New Orleans Jazz, Dixieland, Harlem Stride Piano, Gipsy Jazz (Jazz Manouche), Negro Spirituals/Gospel 

O ponto de inflexão na vanguarda que redefine o horizonte no décimo sétimo volume desta coleção funciona como o contraponto necessário ao classicismo do CD16. Se o volume anterior celebrou a maturidade e a economia do Jazz, este CD 17 é a evidência documental de que, mesmo quando o Jazz se torna uma "linguagem clássica", o seu instinto mais profundo é a rebeldia. Estamos no limiar de um período onde a estrutura começa a ser vista não como um alicerce, mas como uma fronteira a ser cruzada. Este volume registra a inquietação que pavimentou o caminho para as explorações modais e a liberdade total que definiriam a década seguinte. O pano de fundo deste CD é o descompasso criativo. Enquanto o mercado e o público consolidavam o Jazz como uma forma de arte respeitável (e por vezes conservadora) os músicos inseridos neste volume buscam deliberadamente a "saída". A estética é marcada por uma tensão fascinante: a disciplina técnica absoluta sendo utilizada para subverter a própria harmonia que a sustenta. É um momento em que a música abandona o conforto da previsibilidade em favor da aventura estética. A evolução técnica aqui documentada é um estudo sobre a desterritorialização do Jazz: A harmonia como suggestão no conceito de "acorde" começa a perder seu papel de ditador e o músico deixa de seguir a progressão de forma linear para flutuar ao redor dela tratando a harmonia como uma cor ou uma textura em vez de um destino obrigatório. O advento do "lirismo angular" nas linhas melódicas tornam-se menos previsíveis, uma valorização do intervalo do salto e da síncope inesperada criando uma narrativa que soa quase como um diálogo filosófico, onde a pergunta e a resposta musical ocorrem em níveis de complexidade elevada. A percussão como "interrupção" na bateria neste volume abandona o papel de mantenedor do pulso constante atuando como um elemento de surpresa e pontuando o silêncio desafiando o solista a encontrar caminhos rítmicos que não dependam da métrica convencional. O arranjo de "câmara livre" nas formações de quarteto e quinteto  funcionam como núcleos de improvisação coletiva onde arranjos é apenas o tema inicial; o que importa é a negociação constante entre os músicos durante o desenrolar da peça. A "fricção" estética é possível sentir neste volume na resistência que esses músicos enfrentavam em um ambiente que já desejava que o Jazz fosse apenas "bonito". Este CD é o registro dessa resistência, capturando momentos onde a nota "errada" é, na verdade, a mais honesta. A ciência do som na engenharia de som demonstra uma preocupação maior em capturar a dinâmica orgânica da sala do que em criar uma sonoridade "limpa" e artificial. O resultado é uma proximidade visceral, como se estivéssemos assistindo a essas sessões em estúdios enfumaçados de Nova York. O legado da busca em muitas dessas faixas, embora fossem vistas como "experimentais" na época tornaram-se hoje os pilares sobre os quais toda a música improvisada moderna se sustenta. Este volume documenta o momento exato em que o Jazz deixou de ser uma "forma" para se tornar um "método de exploração". O CD17 é o volume da coragem. Ele é indispensável por provar que o Jazz, ao contrário de qualquer outro gênero musical, possui um mecanismo interno de autodestruição e renascimento que o impede de morrer. Documentalmente, ele registra a transição de um gênero que sabia "falar" para um gênero que aprendeu a "questionar". É uma audição obrigatória para quem deseja entender que a beleza, no Jazz, não reside apenas na harmonia, mas na força de vontade do artista em buscar o desconhecido. Observando este volume que coloca o Jazz na corda bamba entre o classicismo e a vanguarda, pergunta que fica é: se o Jazz por natureza, é um gênero que se alimenta da mudança, você acredita que chegaremos a um ponto em que a própria ideia de "Jazz" será tão elástica que ele deixará de existir como categoria, fundindo-se inteiramente com a ideia de "música livre" sem rótulos?

Boa audição - Namastê

Boxset: La Grande Histoire Du Jazz, do Ragtime ao Swing 1898-1952 (25CDs)

 Artista: La Grande Histoire Du Jazz

Álbum: do Ragtime ao Swing 1898-1952 CD16

Lançamento: 2009

Selo: Le Chant du Monde 

Gênero: Swing, Ragtime, Big Band, Early Jazz, New Orleans Jazz, Dixieland, Harlem Stride Piano, Gipsy Jazz (Jazz Manouche), Negro Spirituals/Gospel

A transcendência do estilo como reflexo da modernidade tardia aborda o volume desta coleção transcende o rigor cronológico para atuar como uma releitura hermenêutica do legado acumulado até então. Se o volume anterior marcou a abertura para o novo, o CD16 cristaliza o Jazz como um sistema de pensamento. Estamos aqui no terreno da "Modernidade Tardia", onde a música deixa de ser um evento para se tornar uma atmosfera. Este volume não documenta apenas uma época, mas a maneira como os músicos passaram a habitar o vocabulário que eles mesmos construíram nos 15 volumes anteriores. O pano de fundo deste CD é o início do reconhecimento do Jazz como uma "Arte de Câmara" de escala global. A estética aqui é a do equilíbrio reflexivo. O contraste entre a urgência do passado e a calma do presente é resolvido através da sofisticação do "fazer musical". Culturalmente, o jazz desliga-se de vez da necessidade de ser um produto de entretenimento puro ou um manifesto político imediato; ele se torna o domínio do artesão-filósofo, um espaço onde o tempo é suspenso para a exploração de nuances tímbricas e harmônicas que antes passavam despercebidas. A evolução técnica neste volume revela um refinamento quase cirúrgico: A "escuta ativa" do solista, o músico já não toca sobre a harmonia; toca com a harmonia, tratando cada acorde como um organismo vivo, repleto de tensões e resoluções alternativas. É a era do detalhismo harmônico. O triunfo do "Space": Se o Bebop era a saturação de notas, este volume valoriza o intervalo. O silêncio ganha peso de nota musical, funcionando como um elemento dramático que dá contorno e propósito à improvisação. A timbre como assinatura mais do que a nota tocada, o foco vira a qualidade do som (o tone). A busca por uma sonoridade única — um vibrato específico, uma forma particular de atacar a nota — torna-se o principal objetivo do solista. A estrutura como escultura nas composições neste volume são tratadas com um rigor de escultura: o tema é introduzido, desconstruído e reconstruído durante a improvisação, mantendo uma unidade arquitetônica que conecta o início e o fim da faixa como um círculo perfeito. A "memória" da gravação permite perceber como a tecnologia de estúdio (agora mais evoluída) começou a influenciar a própria composição. Músicos que sabiam que seriam ouvidos com clareza em sistemas de alta fidelidade começaram a compor peças que exploravam o silêncio e as dinâmicas extremas, algo que os discos de cera de 1920 teriam suprimido. O intercâmbio cultural é fascinante notar neste volume as influências de estéticas globais que começavam a circular. O jazz aqui já não é uma música americana exportada; é uma linguagem que já foi processada por sensibilidades europeias, latinas e asiáticas, tornando-se o primeiro gênero musical verdadeiramente cosmopolita. O status de "clássico" captura o momento em que os grandes nomes do jazz passaram a ser vistos como "clássicos em vida". A abordagem musical é, portanto, de reverência e, ao mesmo tempo, de ousadia revisionista. O CD16 é um exercício de essencialismo. Documentalmente, ele cumpre o papel de demonstrar que, após a exploração técnica, o Jazz atingiu o seu estágio de "sabedoria": a capacidade de dizer tudo com o mínimo necessário. É um volume que convida à escuta contemplativa, sendo o ponto de chegada ideal para quem deseja compreender que a complexidade do Jazz, no fundo, sempre serviu para alcançar uma simplicidade emocional profunda. É a prova final de que o Jazz se tornou uma linguagem capaz de conter a totalidade da experiência humana. PerguntA: se o jazz é um organismo vivo que passou por todas essas fases — da rusticidade do Ragtime à sofisticação absoluta deste décimo sexto volume — em que medida você acredita que o jazz, hoje, ainda mantém uma conexão real com a sua origem, ou ele se transformou em uma "língua morta" que preservamos em museus, admirando sua beleza sem que sejamos mais capazes de recriar sua pulsão original?

Boa audição - Namastê

Boxset: La Grande Histoire Du Jazz, do Ragtime ao Swing 1898-1952 (25CDs)

Artista: La Grande Histoire Du Jazz

Álbum: do Ragtime ao Swing 1898-1952 CD14

Lançamento: 2009

Selo: Le Chant du Monde 

Gênero: Swing, Ragtime, Big Band, Early Jazz, New Orleans Jazz, Dixieland, Harlem Stride Piano, Gipsy Jazz (Jazz Manouche), Negro Spirituals/Gospel

O epílogo da era de ouro: O Jazz no limiar da modernidade total no décimo quarto volume da coleção "La Grande Histoire du Jazz" atua como o fecho de um arco histórico que começou em 1898. Situado no início da década de 1950, este CD documenta o momento em que a linguagem do jazz atingiu um estado de estabilidade técnica tão elevado que o gênero pôde, finalmente, se fragmentar em múltiplas direções sem perder a sua identidade. Estamos diante da crônica de um encerramento: o fim de uma era onde o jazz ditava o ritmo do mundo para a entrada em um período onde o jazz passaria a ditar o ritmo da consciência artística. A temática do pano de fundo deste volume é o pós-guerra consolidado. A estética é marcada por uma profunda serenidade técnica. Contrastando com a agitação dos volumes anteriores, o CD14 reflete uma música que não precisa mais provar nada. Culturalmente, o jazz aqui já é uma instituição: os clubes perderam o seu caráter de "submundo" para se tornarem centros de cultura respeitados. A temática predominante é a exploração das possibilidades da "forma livre" dentro de parâmetros harmônicos rigorosos, um equilíbrio que reflete a estabilidade social desejada pela geração do pós-guerra. A construção e a evolução técnica neste volume revela um refinamento que roça a perfeição: A "filigrana" do solo: Os solistas neste volume não buscam apenas a nota certa mas a nota mais bonita. O fraseado torna-se mais contido, com um uso magistral do silêncio como elemento rítmico. O arranjo camaleônico da orquestração torna-se extremamente sutil. Os naipes não atuam mais como blocos pesados de som, mas como texturas que se entrelaçam. É o triunfo da polifonia moderna. O papel da seção rítmica da bateria atinge aqui o que poderíamos chamar de "independência total". O pulso rítmico não é mais uma imposição, mas uma sugestão. Baixistas e bateristas operam como equalizadores dinâmicos, respondendo ao menor toque do solista com uma precisão que só décadas de prática poderiam produzir. A integração do "Cool" e "Bop" o antagonismo entre a Costa Leste e a Costa Oeste desaparece e o que ouvimos é uma amálgama: a vivacidade do Bebop com a elegância contemplativa do Cool. É a síntese definitiva do jazz moderno. Curiosidades históricas do  registro do fim de ciclo sendo o volume que fecha o recorte cronológico da coleção (1898-1952), este CD carrega uma aura de conclusão. As gravações aqui presentes possuem um nível de clareza sonora que, comparado às faixas de 1898, demonstra o salto tecnológico absurdo que o gênero testemunhou em apenas meio século. A preservação da "mística" de muitas dessas gravações foram feitas por engenheiros de som que começavam a entender o jazz não apenas como música mas como uma forma de performance humana única. A captura da ambiência dos estúdios desta época criou uma assinatura sonora que, até hoje, é o padrão de ouro para audiófilos. A transição para o Long-Play mosta nestodo volume marca a era da transição plena para o disco de longa duração (LP) com possibilidade de gravar faixas mais longas permitiu que os artistas desenvolvessem argumentos musicais complexos, algo que o limite dos três minutos do 78 rpm impedia, dando a este volume um sentido de "suíte" ou "narrativa completa". O CD14 é o testemunho final de uma jornada monumental onde documentalmente é a prova de que o Jazz não é uma música estática, mas um organismo vivo encerrando o recorte 1898-1952 com uma nota de otimismo e complexidade, deixando o ouvinte com a certeza de que o jazz, após 54 anos de evolução, estava pronto para qualquer desafio. É a conclusão de um capítulo da história da música que, ao ser finalizado, imediatamente abriu as portas para tudo o que viria nas décadas seguintes. Como tendo percorrido conosco esta vasta cronologia até 1952, como você definiria o legado que este CD14 deixa para a música contemporânea: o jazz como uma "forma fechada" e clássica que atingiu sua perfeição, ou como um "processo aberto" que, ao encerrar esse ciclo, tornou-se livre para ser reinterpretado por qualquer cultura ou época futura?

Boa audição - Namastê

Boxset: La Grande Histoire Du Jazz, do Ragtime ao Swing 1898-1952 (25CDs)

Artista: La Grande Histoire Du Jazz

Álbum: do Ragtime ao Swing 1898-1952 CD13

Lançamento: 2009

Selo: Le Chant du Monde 

Gênero: Swing, Ragtime, Big Band, Early Jazz, New Orleans Jazz, Dixieland, Harlem Stride Piano, Gipsy Jazz (Jazz Manouche), Negro Spirituals/Gospel

O estio do Jazz: O equilíbrio entre a vanguarda e o lirismo narca o décimo terceiro volume da coleção "La Grande Histoire du Jazz" situabdo-se em um momento de consolidada sofisticação pós-revolucionária. Se os volumes anteriores documentaram a ruptura sísmica do Bebop, este reflete um período de "sedimentação". Aqui, a linguagem moderna já está assimilada; os músicos não precisam mais provar sua capacidade técnica através da velocidade excessiva e o jazz entra em uma fase de reflexão onde o timbre, a melodia e o arranjo recuperam o protagonismo, sem, contudo, abandonar a complexidade harmônica conquistada. A temática do pano de fundo deste volume é a "era da introspecção", o jazz dos anos 40 tardios e início dos 50, registrado aqui, revela uma estética que transita entre a urgência urbana de Nova York e o surgimento de uma sensibilidade mais lírica. Há um nítido contraste entre a ferocidade de antigamente e uma nova calma, quase cinematográfica. Culturalmente, o jazz começa a se estabelecer como uma arte que demanda escuta profunda, apropriando-se dos clubes e teatros como espaços de contemplação. A construção do gênero e a evolução técnica documentada neste volume é um estudo de polimento e refinamento: O ressurgimento da melodia após a desconstrução quase hermética do início do Bebop, este volume mostra como os solistas redescobriram o valor do espaço e da pausa. As frases musicais tornam-se mais desenhadas, com um sentido de forma que busca o equilíbrio entre o inesperado e o familiar. A "cor" orquestral observa-se um uso mais criativo dos instrumentos menos convencionais e uma atenção maior à textura sonora como a maneira do piano "enquadra" o solista em acordes dispostos de forma mais espaçada e harmônicas menos ruidosas, confere à música uma elegância que define o início do Cool Jazz. O domínio do estúdio na gravação torna-se, de fato, um instrumento em si. As técnicas de equalização e a proximidade da microfonação começam a ser usadas para destacar as nuances do toque — o ar no saxofone, o ataque preciso na tecla do piano, a textura das escovinhas na bateria. A estrutura do "Standard" do jazz aqui consolida o uso dos standards (canções do cancioneiro americano) como plataforma para a improvisação profunda, elevando essas melodias a novos patamares de complexidade harmônica. A persistência do Blues, apesar de toda a modernização harmônica, é fascinante notar como o blues nunca desaparece do vocabulário desses músicos. Ele permanece como a "espinha dorsal" invisível, a gramática básica que mantém a música aterrada, não importa quão longe o solista vá em suas explorações melódicas. A transição do "Bop" para o "Cool" traz neste CD funcional como uma crônica da transição entre a "quente" energia da 52ª Rua e o novo som mais "frio" que começava a emanar dos estúdios da Costa Oeste. É possível ouvir, faixa a faixa, a mudança de paradigma na escolha das notas e na intenção do fraseado. O nascimento do intérprete como "Auteur", mais do que nunca, os nomes presentes neste volume começam a ser vistos não apenas como instrumentistas, mas como curadores de um som pessoal. A assinatura sonora de cada solista torna-se seu maior patrimônio. O CD13 é um triunfo de maturidade artística. Documentalmente, ele é a prova de que o Jazz, ao se tornar mais refinado, não perdeu sua alma, mas ganhou em profundidade. É um registro essencial para entender como a música de improviso evoluiu de um exercício de bravura para uma forma de meditação sonora. Para o ouvinte, este volume oferece a satisfação de uma música que é, ao mesmo tempo, intelectualmente desafiadora e esteticamente reconfortante. Como observando esta fase em que o jazz começa a abraçar o lirismo e o refinamento harmônico, você consideraria essa tendência como uma "domesticacão" da energia selvagem do Bebop, ou como a etapa final da evolução do jazz em direção a uma forma de arte absoluta, capaz de comportar qualquer nível de complexidade sem perder a elegância?

Boa audição - Namastê

Boxset: La Grande Histoire Du Jazz, do Ragtime ao Swing 1898-1952 (25CDs)

Artista: La Grande Histoire Du Jazz

Álbum: do Ragtime ao Swing 1898-1952 CD12

Lançamento: 2009

Selo: Le Chant du Monde 

Gênero: Swing, Ragtime, Big Band, Early Jazz, New Orleans Jazz, Dixieland, Harlem Stride Piano, Gipsy Jazz (Jazz Manouche), Negro Spirituals/Gospel

O refinamento da revolução, a maturidade do Bebop e o surgimento do Cool são abordagem no décimo segundo volume da coleção "La Grande Histoire du Jazz", situando-se em um momento de equilíbrio delicado: a consolidação da linguagem do Bebop e o surgimento das primeiras sementes de uma estética oposta, o Cool Jazz. Se o volume anterior foi o grito de independência da nova vanguarda, o CD12 é o registro da sua maturidade. Estamos na metade final dos anos 40, um período em que a agressividade inicial do Bop começa a ceder lugar a uma nova elegância, e onde a busca por um fraseado mais lírico e estruturado passa a ocupar a mente dos grandes improvisadores.O pano de fundo deste CD é o amadurecimento dos clubes de jazz como templos de escuta, a estética marcada pelo contraste entre a intensidade frenética — que ainda dita o pulso da época — e um novo intelectualismo que valoriza o silêncio, a economia de notas e a precisão tonal. É um momento de respiro após a revolução. Culturalmente, o jazz começa a absorver influências da música erudita ocidental, buscando legitimidade através de harmonias mais complexas e arranjos que flertam com o impressionismo. A construção do gênero e evolução técnica apresentada neste volume reflete uma sofisticação na exploração dos recursos musicais: A "lógica" do pmproviso deixa de ser apenas uma demonstração de velocidade para se tornar uma construção temática. Os solistas deste volume demonstram uma capacidade única de desenvolver motivos melódicos ao longo do solo, algo que diferencia os mestres dos meros virtuosos. A textura dos grupos uma diversificação nos tamanhos dos grupos. Enquanto os trios de piano e os quintetos de sopro se tornam o padrão ouro, percebemos um uso muito mais criativo do piano como instrumento de acompanhamento, introduzindo acordes com voicings (disposições de notas) cada vez mais densos e modernos. O controle do tom, a busca pela pureza sonora é evidente. O vibrato quase banido no auge do Bebop, começa a ser utilizado de forma parcimoniosa, revelando um cuidado com a "cor" da nota que prenuncia a era do Cool. A interação rítmica na seção rítmica aqui é quase telepática con o diálogo entre o baterista, o baixista e o pianista é constante, criando um fluxo sonoro onde o tempo não é algo rígido, mas uma entidade orgânica que respira conforme a narrativa do solista. Curiosidades históricas da "Era de Ouro" das Jam Sessions: O volume capta a atmosfera das jam sessions que se tornaram mais organizadas. É um período em que os músicos, agora cientes de que estavam criando uma nova tradição, começam a registrar com mais cuidado as suas descobertas, elevando o status do músico de jazz a um nível de "artista de estúdio". A influência da gravação em Long-Play (LP) embora o formato de 78 rpm ainda dominasse a transição tecnológica para o LP verdaeiranebte dito começou a pairar no horizonte, permitindo que os artistas pensassem em solos mais longos e estruturas narrativas menos limitadas pelo tempo físico. Este CD reflete essa ambição de "dizer mais". Já o dialogo entre escolas é fascinante observar neste volume como a energia da Costa Leste (Nova York) começa a dialogar com as propostas mais contidas e líricas que começavam a surgir na Costa Oeste (Califórnia). Este CD é um mapa desse intercâmbio. O CD12 é, documentalmente o atestado de que o Jazz não só sobreviveu à sua própria revolução como floresceu através dela. Ele registra um momento de transição em que a música tendo alcançado a liberdade radical, decide usar essa liberdade para construir beleza e complexidade estruturada. Para o ouvinte este volume oferece a satisfação de uma música que atingiu o seu estágio de "clássico" moderno: tecnicamente irrepreensível, emocionalmente profunda e historicamente inquestionável. Como historiador musical, observando como o Bebop começou a "se acalmar" e abrir espaço para o nascimento de estéticas mais líricas neste décimo segundo volume, então fica a pergunta: você diria que o Jazz, ao se tornar mais "clássico" e intelectualizado nesta fase, perdeu definitivamente a sua capacidade de se conectar com a visceralidade do Blues, ou acredita que o Blues apenas se transformou em uma estrutura invisível, mais interna e sofisticada, que continua a sustentar tudo o que ouvimos aqui?

Boa audição - Namastê

Boxset: La Grande Histoire Du Jazz, do Ragtime ao Swing 1898-1952 (25CDs)

Artista: La Grande Histoire Du Jazz

Álbum: do Ragtime ao Swing 1898-1952 CD11

Lançamento: 2009

Selo: Le Chant du Monde 

Gênero: Swing, Ragtime, Big Band, Early Jazz, New Orleans Jazz, Dixieland, Harlem Stride Piano, Gipsy Jazz (Jazz Manouche), Negro Spirituals/Gospel

A aurora da modernidade no nascimento da linguagem do Bebop Introduz o décimo primeiro volume dessa coleção marcando o ponto de inflexão mais drástico na cronologia do gênero. Se o CD 10 foi o crepúsculo das grandes orquestras, este CD é a aurora da revolução do Bebop. Estamos no meio da década de 1940, um período de radicalização estética onde o jazz abandona definitivamente o seu papel de música de dança para assumir o seu lugar como arte de vanguarda. Este volume captura a transição definitiva da "música de entretenimento" para o "jazz como discurso artístico". O pano de fundo é a atmosfera de fervura intelectual dos clubes da 52ª Rua em Nova York. A estética deste volume é marcada pela tensão e urgência. Há um contraste absoluto entre a cadência relaxada do Swing e a angústia frenética e tecnicamente exigente desta nova linguagem. O jazz deixa de ser o conforto das pistas de baile para se tornar um desafio auditivo. É uma música urbana, noturna, cerebral, que reflete a ansiedade do pós-guerra e a busca de uma identidade negra artística que não dependesse da aprovação da indústria de entretenimento comercial. A evolução técnica apresentada neste volume é uma verdadeira desconstrução dos pilares anteriores na abstração Harmônica onde os músicos começam a utilizar as extensões dos acordes (as nonas, décimas primeiras e décimas terceiras) não como enfeites, mas como a base melódica. A harmonia torna-se "cromatizada", com passagens rápidas que exigem um domínio absoluto do instrumento. A rítmica "decomposta", a bateria anteriormente o metrônomo da orquestra torna-se um instrumento de comentários com o uso do bumbo para "acentos inesperados" (os famosos bombs de bebop) e a condução fluida no prato de ride criam um pulso que não é mais de dança, mas de pura energia cinética. O fraseado "Dizziano" tornam-se longas, irregulares e assimétricas. A ideia não é mais terminar a frase no tempo forte, mas cruzá-lo, criando uma sensação de constante movimento para frente, típica da linguagem de mestres como Dizzy Gillespie ou Charlie Parker. O fim do arranjo de bloco, estrutura baseada em riffs orquestrais dá lugar à estrutura de Head-Solo-Head. O tema é exposto de forma uníssona e complexa (muitas vezes vertiginosamente rápida), seguida de uma série de solos que ignoram a melodia original para explorar apenas a estrutura harmônica subjacente. A estética da "irritabilidade", diz a lenda que o Bebop foi criado em parte para desencorajar a dança pois os músicos ficavam exaustos de tocar para um público que via a música apenas como trilha sonora para beber e dançar. O volume é um testemunho sonoro desse "afastamento" proposital. O ambiente de gravação de muitas dessas sessões foram gravadas em condições precárias em estúdios pequenos de Nova York. Isso, ironicamente conferiu ao Bebop uma sonoridade crua, direta e "spiky" (pontuda) que combina perfeitamente com a agressividade intelectual da música. A nova geração funciona como o batismo de uma nova linhagem de instrumentistas que viam o jazz como uma ciência. É fascinante ouvir como eles tratam a improvisação como uma forma de composição em tempo real, onde cada erro é uma oportunidade de re-harmonização. O CD11 é a peça mais corajosa desta coleção. Documentalmente, ele registra o momento em que o jazz escolheu a liberdade sobre a popularidade. É uma lição de história sobre como um gênero musical, ao atingir o seu ápice comercial, prefere destruir a si mesmo e renascer em uma forma mais pura e complexa do que se submeter à estagnação. Este volume não é apenas música; é um manifesto de independência artística, transição para o Bebop contida neste volume diria que a perda do público de massa foi um "preço inevitável" para que o jazz fosse finalmente reconhecido como uma forma de arte erudita, ou acredita que foi um erro tático que isolou o gênero num gueto intelectual?

Boa audição - Namastê

Boxset: La Grande Histoire Du Jazz, do Ragtime ao Swing 1898-1952 (25CDs)

Artista: La Grande Histoire Du Jazz

Álbum: do Ragtime ao Swing 1898-1952 CD10

Lançamento: 2009

Selo: Le Chant du Monde 

Gênero: Swing, Ragtime, Big Band, Early Jazz, New Orleans Jazz, Dixieland, Harlem Stride Piano, Gipsy Jazz (Jazz Manouche), Negro Spirituals/Gospel

O vértice da transição, declínio do esplendor e o nascimento do Bebop surge no décimo volume da coleção "La Grande Histoire du Jazz" não apenas o encerramento de um ciclo cronológico; é o registro sonoro de uma ruptura. Situado no limiar dos anos 40, este CD documenta o momento em que a força centrífuga do Jazz não pôde mais ser contida dentro das estruturas rígidas das Big Bands. Estamos no crepúsculo da "Era do Swing" e na aurora da revolução do Bebop — um momento em que a música, por uma necessidade de sobrevivência estética, começa a se tornar mais rápida, mais complexa e profundamente desafiadora. A temática do pano de fundo deste CD é um mundo em pleno conflito (Segunda Guerra Mundial), o que ironicamente acelerou a mutação do jazz. Com o racionamento de gasolina, a escassez de músicos devido ao recrutamento militar e o custo proibitivo de manter grandes orquestras em turnê, o jazz foi forçado a se "reduzir". A temática aqui é a transição da música para o baile (física) para a música para o intelecto (metafísica). Há uma tensão estética inegável entre o glamour residual do swing e a urgência nervosa dos solistas que, nas madrugadas, buscavam novas escalas e cromatismos. A construção do gênero e a  evolução técnica documentada é um estudo sobre a desconstrução da forma,  "Velocidade" como Expressão e a técnica dos solistas atinge aqui uma marca de velocidade que deixa de ser exibicionismo para tornar-se uma necessidade lógica frente às mudanças harmônicas mais rápidas. O Novo papel da bateria começa a abandonar o tempo "marcado" no bumbo para realizar o comping (acompanhamento rítmico variável), deslocando a marcação do tempo para o prato de condução — uma mudança técnica que deu aos solistas a liberdade melódica que o bebop exigia. Harmonias de substituição observa-se nos arranjos e solos uma exploração mais ousada de "substituições de acordes" levando o músico a não segue mais a harmonia óbvia da melodia original, mas "re-harmoniza" a peça em tempo real, criando uma tensão que exige do ouvinte uma escuta muito mais ativa. Do coletivo ao indivíduo enquanto nos volumes anteriores o arranjo era o "herói", aqui o arranjo passa a ser apenas um trampolim. O foco desloca-se completamente para a improvisação linear, onde a lógica melódica do solista dita a estrutura da música. A "ditadura" da gravação reflete as limitações impostas pela greve da AFM (American Federation of Musicians) de 1942-1944. A falta de registros oficiais de cantores durante este período faz com que muitas das gravações deste CD tenham um caráter de "raridade", capturando estéticas que, de outra forma, teriam se perdido na história. Os estúdios como "Zoneamento" aqui presentes foram realizadas em um ambiente de transição tecnológica. O som torna-se mais seco e direto, permitindo que a "fricção" das palhetas e o toque das baquetas nos pratos sejam ouvidos com clareza clínica, quase como se estivéssemos dentro da cabine de gravação. A mudança de Éthos, a transição observada é tão radical que é possível notar como os músicos da "velha guarda" e os "jovens turcos" (os futuros beboppers) dividiam os mesmos palcos. Este CD é o registro desse diálogo geracional tenso, onde o jazz se dividia entre ser uma indústria de entretenimento e um movimento artístico de vanguarda. O CD10 é documentalmente o registro de uma metamorfose. Se os volumes anteriores narraram a construção e o triunfo do jazz, este volume narra a sua libertação. É um documento indispensável porque encapsula o instante exato em que a música deixou de ser um produto de consumo imediato para se tornar uma linguagem autoral e introspectiva. Para o pesquisador ou o apreciador atento, este disco é o testemunho final de que a história do jazz não é linear; é uma sucessão de reinvenções provocadas pela inconformidade daqueles que, armados apenas com seus instrumentos, decidiram que o futuro não cabia nas formas do passado. Do ponto de virada capturado no volume 10 fica a pergunta: essa mudança para a complexidade técnica e intelectual, que sacrificou a dança em favor do virtuosismo puro, foi o movimento que "salvou" o jazz de se tornar uma música de museu, ou foi o fator que, em última análise, começou a afastar o jazz do grande público de massa?

Boa audição - Namastê

Boxset: The Art Of The Piano, Trio, Quartet, Quintet And Beyond - VA (10xCDs)

Artista: Art Tatum, Lionel Hampton, Buddy Rich (1955) & Horace Silver (1960)

Álbum: The Art of the Piano: Trio, Quartet, Quintet and Beyond (CD07)

Lançamento: 2020

Selo: The Intense Media/(Milestones of Jazz Legends)

Gênero: Bebop, Hard Bop, Cool Jazz.

Análise Crítica e Curatorial do CD7: A Explosão Rítmica de Tatum, Hampton, Rich e Horace Silver: O sétimo volume (CD7) da aclamada caixa antológica The Art Of The Piano..., editada em 2020, estabelece-se como o capítulo mais eletrizante, febril e percussivo de toda a coleção. Se os volumes anteriores mapearam o lirismo e a economia do espaço, o CD7 é um monumento dedicado à velocidade propulsiva, à síncopa de alta voltagem e ao puro dinamismo físico dos instrumentos. A curadoria deste volume atinge o status de obra de arte ao justapor duas forças gravitacionais do jazz: o encontro de titãs da Era do Swing liderado pela velocidade cegante de Art Tatum com Lionel Hampton e Buddy Rich, e, no polo de transição, a urgência rítmica e o groove impregnado de blues do pai do Hard Bop, Horace Silver. Para o amante sincopado, este volume é um banquete de acentuações fora do tempo, polirritmias de tirar o fôlego e virtuosismo técnico inabalável. As Performances, datas absolutas e a geografia das sessões traz um repertório documental do CD7 preserva o som cru de duas eras de ouro do jazz, resgatando matrizes analógicas cujos registros históricos são detalhados com rigor cronológico a seguir: O Encontro de Titãs: Tatum, Hampton e Buddy Rich (A Era do Swing Extremo). Quando o pianista quase cego Art Tatum — cuja técnica orquestral assombrou até mestres eruditos como Vladimir Horowitz — uniu forças ao vibrafonista elétrico Lionel Hampton e ao vulcão percussivo de Buddy Rich, o resultado foi um terremoto rítmico. As performances resgatadas no CD7 mostram um Tatum operando com cascatas de notas, arpejos de velocidade sobre-humana e substituições harmônicas décadas à frente de seu tempo. Hampton responde com improvisos cheios de síncopas ruidosas e balanço cortante, enquanto Buddy Rich dita um pulso implacável na caixa e nos pratos, gerando um duelo de velocidade técnica que desafiava os limites do formato de trio. Data e local da gravação: Registrado nos estúdios da Clef/Verve Records, em Los Angeles, Califórnia (CA), no dia 01 de agosto de 1955. Esta memorável sessão de estúdio reuniu esses três gigantes sob a supervisão do produtor Norman Granz, capturando o ápice da pirotecnia instrumental americana antes do fechamento definitivo daquela era de ouro do Swing de vanguarda. Horace Silver: A arquitetura do groove e do Hard Bop sincopado em completo contraponto à densidade de notas de Tatum, a performance de Horace Silver no CD7 introduz o ouvinte à espinha dorsal do Hard Bop. Silver joga fora o exibicionismo e introduz o piano "percussivo-gospel", onde a mão esquerda ataca o teclado com acordes pesados e cheios de suingue, enquanto a mão direita desenha linhas melódicas curtas, repetitivas e intensamente balançadas. Silver usava o piano como se fosse uma seção de metais inteira. Seu senso de tempo era rigorosamente sincopado, quebrando a linearidade do bop tradicional com pausas dramáticas e ataques agressivos nos tempos fracos que faziam a plateia balançar o corpo instantaneamente. Data e local da gravação: Gravado nos estúdios da Blue Note Records por Rudy Van Gelder, em Hackensack, Nova Jersey (NJ), no dia 23 de novembro de 1956. Trata-se de uma sessão seminal que capturou as fundações do Horace Silver Quintet, logo após sua histórica separação dos Jazz Messengers de Art Blakey, documentando o nascimento do jazz moderno de raiz urbana. Curiosidades de bastidores e a física do ritmo, a principal curiosidade que o CD7 revela aos amantes sincopados é a surpreendente dinâmica de estúdio ocorrida na lendária sessão de Los Angeles de 1955. Buddy Rich, conhecido por seu temperamento explosivo e por engolir outros músicos com seus solos torrenciais, confessou anos mais tarde ter sentido um respeito quase reverencial por Art Tatum. Para não obstruir as intrincadas linhas harmônicas e os arpejos velozes da mão esquerda de Tatum, Rich abdicou de seus tradicionais bumbos pesados e focou de maneira obsessiva na condução milimétrica do chimbal e nas escovinhas na caixa. Essa contenção genial gerou um dos balanços mais limpos, rápidos e ricamente sincopados de toda a sua vasta discografia. No plano técnico da engenharia de som, o contraste entre as duas sessões do CD7 é uma aula de história da captação de áudio. A gravação da Costa Oeste de 1955 capta o piano de Tatum com uma reverberação de sala natural e acústica aveludada típica dos estúdios de Los Angeles. Já a sessão de Horace Silver de 1956, processada no icônico estúdio de Hackensack por Rudy Van Gelder, traz a clássica assinatura do selo Blue Note: um som de piano cru, incisivo, seco e frontal, onde o ataque mecânico dos dedos de Silver nas teclas de marfim possui uma presença física quase agressiva, perfeita para evidenciar as síncopas cortantes do Hard Bop. Nível de escolha das faixas: Um tratado sobre o Ataque Percussivo, o desenho curatorial implementado no CD7 da edição de 2020 mostra-se impecável por evitar o óbvio e concentrar-se na evolução da percussividade no jazz. Em vez de isolar Tatum em seus tradicionais e solitários discos de solo, a curadoria inseriu-o no epicentro de uma usina rítmica ao lado de Hampton e Rich, provando que seu piano conseguia duelar com os maiores percussionistas do planeta sem perder a elegância harmônica. A transição sequencial para as faixas de Horace Silver é de uma inteligência pedagógica brilhante. O ouvinte experimenta o fio condutor do ritmo: a síncopa que nasceu nas corridas de dedos de Art Tatum na Califórnia transforma-se e condensa-se no groove minimalista, funkeado e cheio de suor de Horace Silver em Nova Jersey. A restauração digital de 2020 realizou um trabalho cirúrgico nas fitas originais, limpando as distorções das frequências médias do vibrafone de Hampton e dando um peso monumental ao contrabaixo acústico que ancora as síncopas de Silver, entregando uma experiência auditiva texturizada e visceral para os puristas do gênero. Veredito Curatorial: O CD7 de The Art Of The Piano... é um documento histórico indispensável e avassalador. Ao costurar a velocidade astronômica do trio de Art Tatum, Lionel Hampton e Buddy Rich em Los Angeles com o groove seminal de Horace Silver em Hackensack, o volume oferece uma radiografia definitiva de como o piano de jazz se afirmou como um instrumento percussivo de vanguarda. Um disco obrigatório para os ouvidos que vibram na tensão do tempo quebrado.

Boa audição - Namastê

Box Set: The Ladies Of Jazz - VA (3CDs)

"Sou pedaços de músicas, fragmentos de textos, 

sou um pouco de um muito, sou apenas uma 

mistura de tudo"

Este box set de 1997, lançado sob o selo Bluenite (BN304), não é apenas uma compilação; é um inventário sonoro da sofisticação feminina no século XX. Composto por 3 CDs, o álbum atravessa o Jazz, a Bossa Nova e o Soul, servindo como uma aula magna sobre a arquitetura do ritmo e a síncope vocal. A voz como instrumento de ruptura é diferente de outras coletâneas da época, The Ladies Of Jazz organiza um diálogo geracional raro. O ouvinte é conduzido pela perfeição técnica de Ella Fitzgerald, passa pela intimidade minimalista de Astrud Gilberto e deságua na crueza política de Nina Simone. No Jazz sincopado, o deslocamento do acento rítmico é o que traz o "suingue", e aqui artistas como Dinah Washington mostram que a síncope não está apenas nos instrumentos, mas na respiração. Em faixas como "Mad About The Boy", Dinah atrasa propositalmente a entrada das frases, criando uma tensão melódica que é a essência do gênero. A curiosidades e o contexto histórico do  "Revival" dos Anos 90: tem inclusão de Dinah Washington como abre-alas do CD 1 não foi por acaso. Em 1992 um comercial da Levi’s (dirigido por Tarsem Singh) imortalizou "Mad About The Boy", fazendo com que a faixa voltasse às paradas europeias e se tornasse o cartão de visitas obrigatório para compilações de jazz daquela década. O selo Bluenite, conhecido por licenciamentos europeus de nicho, focava em edições que serviam como "portas de entrada" para novos colecionadores de CD que em 1997 vivia seu auge comercial antes da era digital. O contraste geográfico coloca o box uno ao "cool jazz" americano com a Bossa Nova brasileira ("The Girl From Ipanema"), evidenciando como o jazz se tornou uma linguagem universal de resistência e elegância.A finalização Crua traz encerramento com "Sea Line Woman" (Nina Simone) ao vivo no CD 3, uma escolha curatorial corajosa. Ela quebra a estética polida do estúdio para entregar o jazz em seu estado mais percussivo e ancestral. Guia para o amante do Jazz sincopado, para quem busca profundidade no Jazz, este box ensina que a música acontece no espaço entre as notas. A síncope é a arte de ocupar o silêncio com intenção. Ao ouvir estas damas, não procure a métrica rígida; procure o "atraso" elegante, o improviso que desafia o metrônomo e a capacidade de transformar uma melodia simples em uma narrativa complexa. O jazz sincopado é a liberdade de chegar no tempo certo, mesmo parecendo estar fora dele.

Boa audição - Namastê

Stan Getz - Stan Getz & Friends (1988)

Artista: Stan Getz

Álbum: Stan Getz & Friends

Lançamento: 1988

Selo: Verve Records

Gênero: Cool, Bop

"Compact Jazz: Getz & Friends" é uma coletânea (álbum de compilação) de jazz lançada em 1988 pela gravadora Verve Records. O álbum apresenta o saxofonista Stan Getz em colaborações com diversos outros músicos de renome, referidos como "Friends" (amigos). O CD inclui faixas gravadas com uma variedade de músicos notáveis, extraídas de sessões e álbuns originais produzidos por Norman Granz e Creed Taylor. Os colaboradores incluem: Dizzy Gillespie, Oscar Peterson. Bill Evans, Gerry Mulligan, Ella Fitzgerald, Chick Corea, Bob Brookmeyer, Gary Burton, entre outros em gravações que datam de 1953 a 1967, fazendo parte da série "Compact Jazz" da Verve, que compilava o melhor de seus artistas em formato de CD. 

Saxofone Tenor – Stan Getz

Saxofone Barítono – Gerry Mulligan

Contrabaixo – Ray Brown, Ron Carter, Bill Anthony, Gene Cherico, Leroy Vinnegar

Bateria – Max Roach, Grady Tate, Art Mardigan, Elvin Jones, Joe Hunt, Stan Levey, Shelly Manne, Connie Kay

Guitarra – Herb Ellis

Piano – Oscar Peterson, Chick Corea, Johnny Williams, Bill Evans, Lou Levy

Trompete – Dizzy Gillespie

Trompone - Bob Brookmeyer, JJ Johnson

Vibrafone – Gary Burton, Lionel Hampton

Voz – Ella Fitzgerald

Datas de gravação:

Faixa 01 - 09 de dezembro de 1953, Los Angeles;

Faixa 02 - 30 de março de 1967, Nova York

Faixa 03 - 08 de novembro de 1954, Shrine Auditorium, Los Angeles

Faixa 04 - 06 de maio de 1964, Nova York

Faixa 05 - 19 de agosto de 1964, Cafe Au GoGo

Faixa 06 - 10 de outubro de 1957, Los Angeles

Faixa 07 - 22 de outubro de 1957, Los Angeles

Faixa 08 - outubro de 1957, Los Angeles;

Faixa 09 - 01 de agosto de 1955, Los Angeles

Faixa 10 - 07 de outubro de 1957, Shrine Auditorium, Los Angeles.

Boa audição - Namastê

Boxser: The Perfect Jazz Collection 25 Original Albums (CD15)

Artista: The Benny Goodman Quartet 

Álbum:... Together Again! 

Lançamento: 1964 / 2010

Selo: Columbia / Great Jazz Composers Series

Gênero: Sweet Bands, Swing

Together Again é um álbum significativo do lendário Benny Goodman Quartet que reúne alguns dos maiores nomes do jazz. Lançado em 2002 nos EUA pelo selo Bluebird (com número de catálogo 09026-63881-2), como parte da série Bluebird First Editions, celebrando o retorno de Goodman com sua formação clássica. Este CD se enquadra no gênero Jazz com um estilo predominantemente de Swing e Cool Jazz. O Benny Goodman Quartet original, composto por Goodman no clarinete, Lionel Hampton no vibrafone, Teddy Wilson no piano e Gene Krupa na bateria, foi uma formação inovadora que quebrou barreiras raciais e musicais na década de 1930. "Together Again" provavelmente celebra a reunião desses músicos icônicos ou de uma formação que evoca a magia daquele período. O álbum é caracterizado por melodias contagiantes, improvisações brilhantes e a interação impecável entre os instrumentistas. A música exala a alegria e a sofisticação do swing, com o clarinete de Goodman liderando e os outros instrumentos respondendo com virtuosismo.

Benny Goodman - Clarinete

Teddy Wilson - Piano

Lionel Hampton - Vibrafone

Gene Krupa - Bateria

February 13, 1963 & February 14, 1963

Gravaado em: 

RCA Recording Studios, Studio A, New York, NY

RCA Studio A, New York, NY

RCA Studios, New York, NY

Boa audição - Namastê

Boxser: The Keynote Jazz Collection, 1941-1947 (11xCDs)

Artista: VA

Álbum:... Keynote Jazz Collection CD06

Lançamento: 2013

Selo: Fresh Sound Records / FSR-CD 815

Gênero: Swing, Bop

Entre as sessões deste box, algumas merecem atenção especial, seja pela importância de sua presença, seja pelas circunstâncias que as cercam. Esta reedição está repleta de músicos da era do swing e alguns do bebop , que fazem parte da história do jazz, como os já citados Coleman Hawkins e Lester Young, mas também, entre outros, Don Byas, Red Norvo, Shelly Manne, Horace Henderson, Flip Phillips, Ralph Burns, Barney Bigard, Budd Johnson, Shorty Rogers, Eddie Bert, Johnny Guarneri, Dodo Marmarosa, Lennie Tristano, Howard McGhee, Serge Chaloff e o conhecido Neal Hefti. O fã encontrará, além das gravações já mencionadas, lideradas pelo trompetista George Hartman e Lester Young, as sessões de composições de Leonard Feather produzidas por ele e interpretadas pelo sexteto de músicos da orquestra de Lionel Hampton (entre eles o excelente saxofonista Arnett Cobb) e com a participação estelar de Dinah Washington (Disco 1, músicas 9 - 12). Algumas gravações que serviram para popularizar a cantora.

Boa audição - Namastê